Zdjęcie: UGC Jeśli chcesz poznać istotę surrealizmu, to poznaj genialnego przedstawiciela tego kierunku w malarstwie XX wieku. To jest Salvador Dali. Obrazy hiszpańskiego artysty są ucieleśnieniem filozofii i ducha surrealizmu, epatażu i hiper-emocjonalizmu. Odkryj ciekawe fakty na temat jego najlepszych dzieł.
Salvador Dali utożsamiał się z surrealizmem. Wszystko w artyście odpowiadało tej koncepcji estetycznej: jego sposób myślenia, jego sposób bycia, jego szaleństwo, jego wolność od nakazów moralnych i stereotypowych zachowań, jego emocjonalność i otwartość.
Dali był epatowany w sztuce i w życiu. Zawsze robił tylko to, co chciał robić, i pisał o tym, co uważał za stosowne. Nic więc dziwnego, że w latach trzydziestych i pięćdziesiątych XX wieku opinia publiczna była zszokowana jego eksperymentami artystycznymi. Malarz, który doskonalił się w klasycznych technikach rysunkowych, sympatyzował z impresjonizmem i kubizmem, a w konsekwencji zbliżył się do surrealizmu.
Ten nurt w sztuce pozwalał artyście szczerze mówić o tym, co najbardziej intymne: poruszać temat seksu i erotyki, perwersji seksualnych i tłumionych pragnień seksualnych, destrukcji i autodestrukcji człowieka. Ale głównym tematem jego obrazów jest iluzja, świat, w którym człowiek się znajduje.
Zdjęcie: art-holst.com.ua: UGC
Obrazy Salvadora Dali są trudne do zinterpretowania, do logicznego wyjaśnienia pewnych obrazów, szczegółów, do odczytania ich znaczenia. Dzieje się tak dlatego, że składają się one z wizualnych kalamburów, schizoidalnych obrazów, aluzji, a ich konstrukcja polega na zabawie znaczeniami i fabułami.
Przedstawia najsłynniejsze obrazy Dali z krótkimi opisami. Spróbujcie porównać znaczenia ujawnione przez historyków sztuki z własnymi wrażeniami i emocjami, jakie wywołują te surrealistyczne obrazy:
"Trwałość pamięci" (1931)
Zdjęcie: muzei-mira.com: UGC
Obraz ten ma kilka tytułów: "Miękki (płynący) zegar", "Przepływ czasu" i "Twardość pamięci". Wielki mistyfikator Dali podał kilka wyjaśnień dotyczących symboli przedstawionych na płótnie, ale to jeszcze bardziej zdezorientowało historyków sztuki.
"Trwałość pamięci" burzy stereotyp postrzegania czasu przez człowieka. Autor podkreśla, że jest on daleki od linearności, z jaką często kojarzy się czas.
Pomysł na obraz przyszedł do Dali podczas śniadania, kiedy Gala smarowała tosty miękkim serem. Malarz namalował obraz, gdy dopadła go migrena. Stąd ponura tonacja, przewaga odcieni brązowo-szarych.
Centralny obraz, głowa na ziemi, w której rozpoznawalny jest sam Dali, to ucieleśnione pragnienie spokoju i odpoczynku od bólu. Inne obrazy (często spotykane na płótnach) przedstawiają ideę nietrwałości istnienia: mrówki i muchy zjadają czas, tak jak starzenie się zjada ludzkie ciało. Skalisty brzeg i morze są symbolami nieśmiertelności, która jest ponadczasowa, wieczna, dlatego znajduje się w tle. Wyczerpane drzewo oliwne symbolizuje wyczerpane życie. Cały obraz wyraża melancholię i zanikanie.
Obecnie ten niewielki obraz (24x33 cm) zdobi nowojorskie Museum of Modern Art.
Martwa natura .
Detale martwej natury można znaleźć na wielu obrazach Dali'ego - stworzył on również kilka "czystych" martwych natur. Warto zwrócić uwagę na kilka kompozycji namalowanych przez młodego Dalíego - są one wykonane w stylu XVII-wiecznej hiszpańskiej martwej natury, której mistrzami byli Diego Velázquez i Francisco Zurbarán. "Martwą naturę z bakłażanami z 1922 r. można uznać za typowy przykład młodzieńczego stylu Dali. Znacznie bardziej oryginalna jest jego "Żywa martwa natura" (czasem nazywana "Martwą naturą - szybki ruch") z 1956 roku, będąca próbą przemyślenia ogólnie przyjętych dla tego gatunku reguł, przezwyciężenia statyczności i przedstawienia przedmiotów w ruchu.
"Miękka konstrukcja z gotowaną fasolą" (1936).
Zdjęcie: opisanie-kartinu.com: UGC
To płótno przedstawia reakcję Salvadora Dali na wewnętrzne procesy polityczne, które ogarnęły Hiszpanię pod koniec lat 30. XX w. Był to czas dojścia do władzy Franco, walki między republikanami a nacjonalistami. Kraj znajdował się w przededniu wojny domowej.
Pomimo tego, że Dali był zwolennikiem Franco, obraz, który miał przedstawiać pozytywne zmiany w społeczeństwie, jest uderzająco fantasmagoryczny i przerażający w swojej wymowie.
Opisana powyżej konfrontacja polityczna w Hiszpanii w 1936 roku jest przedstawiona przez autora jako dwa ludzkie ciała, które są zespolone z różnych części ciała i cierpią z tego powodu. Wydaje się, że walczą ze sobą, chcą się rozdzielić i nie mogą istnieć bez siebie, bo w ten sposób straciliby grunt pod nogami. Garść ugotowanej fasoli rozrzucona obok wychudzonego ramienia jednego z Atlantów jest symbolem ubóstwa, które ogarnęło hiszpańskie społeczeństwo.
Obraz znajduje się obecnie w Muzeum Sztuki w Filadelfii.
Sprytny marketing
Dali rozpoczął swoją sztuczną historię w Stanach Zjednoczonych w latach 40. ubiegłego wieku, gdzie spod jego ręki wyszła napisana przez niego samego prawdziwie marketingowa autobiografia Sekretne życie Salvadora Dali. Z nieprawdziwymi faktami, głośnymi epatowaniem szczegółami (wyolbrzymionymi i fikcyjnymi), skandalicznymi odniesieniami do postaci Dali.
Siostra Salvadora była tak oburzona tymi kłamstwami, że w następnym roku opublikowała swój wspomniany pamiętnik. I to już rozwścieczyło Dalego! Przecież taka dobra reklama rujnowała jego wizerunek markowego człowieka i nie sprzyjała bogaceniu się. Pieniądze płynęły do rąk tych, z którymi skandal, dwuznaczność i impertynencja szły w parze. To właśnie na nich postawili Gala i Dali. A prawda siostry nie pasowała do tego paradygmatu.
Salvador Dali pisze swoją książkę w Hampton w stanie Wirginia (1941) / Fot. Eric Schaal
"Płonąca żyrafa" (1936-1937)
Zdjęcie: cameralabs.org: UGC
Kolejny obraz z serii obrazów, w których Dali przekazał swoje własne doświadczenia i poczucie wojny. Obraz ten, podobnie jak wszystkie inne dzieła autora, zawiera mistyczno-fantastyczne obrazy, które uderzają w wyobraźnię swoim absurdem. Jeśli jednak wyłączyć racjonalne myślenie i zdać się wyłącznie na percepcję emocjonalną, wtedy wszystkie znaczenia stają się jasne.
Dwie postacie kobiece (ulubiony wizerunek Dali'ego) są ucieleśnieniem ludzkiej świadomości. Nie jest sprężysty, chwiejny, stale potrzebuje wsparcia i oparcia. W szufladach znajdują się wspomnienia i myśli, które ludzie chcą ukryć, ale w pewnym momencie ujawniają je publicznie. Prowadzi to do tragedii (zakrwawione ręce bohaterek).
W tle autor umieścił żyrafę ogarniętą płomieniami. Symbolizuje on męski pierwiastek apokaliptyczny. Ogólnie rzecz biorąc, obraz jest ucieleśnioną zapowiedzią wojny w Hiszpanii.
Obecnie jest przechowywany w Musée d'art de Basle.
Portrety
Dali nie jest zbyt dobrze znany jako malarz portretowy, ale miał pewne doświadczenie w tym gatunku. Młody Dali malował portrety swojej rodziny i przyjaciół - na przykład Portret Marii Carbone, 1925. Po przeprowadzce do Nowego Jorku artysta odkrył, że wykonywanie portretów jest bardzo dochodowe. Tego rodzaju zamówienia kontynuował podczas swoich pobytów w Ameryce w latach powojennych. Jednym z nich jest "Portret pani Jack Warner, 1945". Amerykański sukces Dali'ego jako portrecisty wynikał z jednej strony ze snobizmu bogatych Amerykanów, którzy szczycili się tym, że pracują dla nich światowej sławy artyści, z drugiej zaś strony z umiejętności Dali'ego tworzenia obrazów, które schlebiały klientowi.
"Łabędzie odbite w słoniach" (1937).
Zdjęcie: a-nasta-siya.livejournal.com: UGC
Motyw iluzji wszystkich rzeczy (ulubiony temat artysty) znajduje odzwierciedlenie w tym dziele. Reprezentuje ona szczególną paranoiczno-krytyczną metodę artysty.
Płótno przedstawia traumę z dzieciństwa, zakopaną głęboko w podświadomości i przypominającą o sobie za pomocą obrazów-symboli zwierząt. Kompozycja jest tak skonstruowana, że ujawnia istotę iluzji, w której żyje człowiek i która go tłumi.
Wiadomo, że Salvador Dali miał trudne relacje z rodzicami. Bardzo opłakiwali pierwsze dziecko, które stracili w wieku niemowlęcym. Drugi syn otrzymał więc to samo imię, co pierworodny - Salvador. Przyszły artysta już w młodym wieku zetknął się z iluzją rzeczywistości: otoczony rzeczami i zabawkami z dzieciństwa swojego brata nie mógł zrozumieć, czy jest żywy, czy martwy, czy istnieje on sam, czy jego brat.
Geniusz surrealizmu wyraził te uczucia i pretensje do rodziców w Łabędziach odbitych w słoniach. Łabędzie są iluzją dobrej i kochającej się rodziny, podczas gdy słonie są ucieleśnieniem prawdziwej miłości rodzicielskiej.
Dali wychwalał słonie za ich bezinteresowną opiekę nad potomstwem. Ponadto słonie symbolizują dominację i władzę, czyli coś, czego wyraźnie brakowało małemu Salwadorowi, aby czuł się bezpiecznie.
Rozżalony mężczyzna przedstawiony po lewej stronie, na tle skał, to sam autor, który nie jest gotów rozstać się z urazą, nie jest gotów odwrócić się, by stawić jej czoła.
Obraz znajduje się obecnie w posiadaniu prywatnego kolekcjonera.
Dali i Gala
W tym czasie jeden z najważniejszych tematów w sztuce Salvadora Dali - seks - nie znikał. Niektórzy autorzy spekulują, że artysta nigdy nie był z kobietą przed spotkaniem z Galą (Dominique de Gasquet i Paquita Llorens Verhees tak uważają, o czym piszą w książce "Gala i Dali. Looking Glass"), niektórzy uważają, że był całkowitym impotentem (co opisuje w swojej książce The shameful life of Salvador Dali, Ian Gibson).
Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images
Gala i Salvador Dali
Monse Ager twierdzi, że Dali z pewnością utrzymywał stosunki seksualne z Galą. W rzeczywistości artysta mógł być bardziej zainteresowany seksem jako tematem swojej sztuki niż jako środkiem do osiągnięcia przyjemności, ale tego przypuszczenia nie da się zweryfikować. Jego chorobliwe zainteresowanie tą tematyką może być związane z faktem, że w dzieciństwie ojciec pokazał małemu Dali obraz przedstawiający skutki syfilisu, co wywarło silny wpływ na podatnego na wpływy Salvadora.
Salvador D, 194, młoda dziewica autodomizowana przez rogi własnej czystości pic.twitter.com/64rNAWG4D
- mario andreolini (@marioandreolini) 5 czerwca 2016 r.
"Zaczarowany brzeg z trzema płynnymi łaskami" (1938)
Zdjęcie: artchive.ru: UGC
Wielu zna z mitologii greckiej wizerunki trzech Charytek, czyli łask. Reprezentują wesołość, wdzięk i inspirację. Nie jest to zaskakujące, ponieważ służą one bogini miłości Afrodycie. Ale w mitologii greckiej są też trzy inne boginie, od których zależy los i długowieczność człowieka. To są Moiry.
Salvador Dali postanowił połączyć te dwa obrazy, tworząc obraz życia ludzkiej duszy. Pierwsza bohaterka, z długim wrzecionem w rękach, zaczyna tkać koronkę przeznaczenia. Drugi jest symbolem dojrzałości duszy ludzkiej, kiedy człowiek uświadamia sobie samego siebie, swoją tożsamość. Dlatego jako jedyny ma wyraźny kształt.
Przy okazji, jeśli przyjrzysz się uważnie rysunkom, zobaczysz jeźdźca na koniu i biegnącego za nim mężczyznę. Kontury te symbolizują ludzkie pragnienie szybszego życia, wieczną pogoń za marzeniami.
Trzecia jest uosobieniem umierania, dlatego jej twarz jest kamienna. W ten sposób dusza zastyga po śmierci. Dlatego postać trzeciej Grazii-Moiry niemal zlewa się z pejzażem, podczas gdy dwie pozostałe mają wyraźnie zarysowane formy kobiece.
Symboliczne jest również tło, na którym są przedstawieni: piaszczysty brzeg symbolizuje przemijalność ludzkiego życia, a morze - wieczność.
Obraz jest przechowywany w Figueres, w muzeum i teatrze stworzonym przez autora.
1962-1963 - DNA.
Salvador Dali przyjaźnił się z naukowcem Severo Ochua, od którego dowiadywał się o wszystkich nowinkach z dziedziny nauki. Dali przyjaźnił się także z Francisem Crickiem, Jamesem Watsonem i Maurice'em Wilkinsem, którzy w 1962 r. otrzymali Nagrodę Nobla w dziedzinie fizjologii lub medycyny za odkrycie DNA.
Getty Images
Severo Ochua
Odkrycie to wywarło wpływ na Salvadora, co znalazło odzwierciedlenie w jego pracach stereoskopowych, w których odtwarza strukturę genu. Odkrycie to wzmacnia również pragnienie artysty do nieśmiertelności. Oprócz portretu zmarłego brata, o którym pisaliśmy na początku, jednym z najciekawszych dzieł, stworzonych przez Dali pod wrażeniem odkryć naukowych, był obraz GALACIDALACIDESOXIRIBUNUCLEICACID (omeny dla Cricka i Watsona): Dali łączy w nim obraz struktury genowej z aniołami - i znów naukę z religią. Być może wierzy, że sekret nieśmiertelności tkwi w połączeniu tych dwóch przeciwstawnych rzeczy.
#OnThisDay W 1953 r. Crick i Watson odkryli DNA. Dali oddał mu hołd w filmie "Galacidalacidesoxiribunicacid" z 1963 roku. pic.twitter.com/GeGmVxNtqH
- Muzeum Dali (@TheDali) 28 lutego 2017 r.
"Sen wywołany przez lot pszczoły...". (1944)
Zdjęcie: artrue.ru: UGC
Jak przedstawić za pomocą obrazowania narodziny marzenia? Freudowska teoria snów jako manifestacji nieświadomych pragnień dała początek malarstwu. Autorka przedstawiła w nim nagromadzenie podświadomych obrazów, których przesłaniem były prawdziwe okoliczności kobiecego snu. A teraz przejdźmy do szczegółów i kolejności.
Obrazy przedstawione na obrazie wyraźnie tworzą dwie projekcje: ta najbliższa - śpiąca kobieta - to rzeczywistość; tygrysy, słoń, zerwany granat i morze to nieświadomość, która generuje sny.
Salvador uwiecznia Galę, swoją kochankę, muzę i żonę, na obrazie śpiącej kobiety. Zrelaksowana postawa kobiety wskazuje na to, że jest pogrążona we śnie. Obok niej leży granat, nad którym lata pszczoła.
Brzęcząca w podświadomości pszczoła stymuluje pojawianie się obrazów kojarzących się z agresją - wściekłych cyrkowych tygrysów wyskakujących z paszczy ognistej, drapieżnej ryby. Ten z kolei wyłania się z mistycznego rdzenia granatu, który przypomina rozdarte ciało (dwa ziarna to krople krwi).
Biorąc pod uwagę, że obraz uzupełnia wizerunek słonia na długich nogach z górą lodową na grzbiecie, oczywisty staje się freudowski podtekst obrazu: emocjonalne postrzeganie przez kobietę stosunku płciowego. Kojarzy się z napaścią, ofiarą i śmiercią (wyciągnięta broń).
Ten obraz Salvadora Dalí znajduje się w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie.
Kino
Dali poznał Luisa Buñuela (1900-1983) w Madrycie, kiedy ten był studentem. Wspólnie nakręcili dwa surrealistyczne filmy: Pies andaluzyjski (1928) i Złoty wiek (1930). W drugim filmie udział Dali'ego był raczej symboliczny, ale w Psie andaluzyjskim jego mroczna fantazja i chęć podporządkowania rzeczywistości logice snu w dużej mierze zadecydowały o sukcesie filmu. Największe wrażenie zrobiły na Dali ujęcia ręki pokrytej mrówkami i oka wyciętego żyletką. W USA artysta współpracował z innym wielkim filmowcem, Alfredem Hitchcockiem. Na potrzeby filmu Spellbound z 1945 roku (którego tkanka artystyczna opiera się na aksjomatach psychoanalizy) Dali wymyślił sekwencję snów. Ponadto artysta rozmawiał o możliwości współpracy z Waltem Disneyem, ale nie wyszła ona poza dyskusję.
"Moja żona, naga, patrząca na własne ciało...". (1945)
Zdjęcie: artchive.ru: UGC
Gala była nie tylko żoną i ukochaną kobietą, ale także modelem świata, poprzez który Salvador Dali starał się odkryć to, co wieczne, piękne i niezmienne.
Obraz jest przesiąknięty tragizmem dostrzegania przemijalności istnienia i poszukiwania tego, co wieczne i nietrwałe. Podobnie jak w większości obrazów Salvadora Dali, obraz podlega kompozycji dwupłaszczyznowej. Na pierwszym planie znajduje się kobieta przedstawiona od tyłu. Krągłości jej ciała są piękne i delikatne. Jest ucieleśnieniem człowieka, jego cielesną istotą.
Po jej prawej stronie znajduje się grecka płaskorzeźba, symbol wieczności kultury, oraz mniszek lekarski, symbol przemijalności istnienia. Ściana, na której są przedstawieni, jest popękana, co sugeruje, że obrazy te są odzwierciedleniem ulotności istnienia. To samo dotyczy kobiety: jej włosy są przedłużeniem tych pęknięć.
Perspektywa natomiast to wieczność wcielona. Kiedyś, jako dziecko, Salvador Dali znalazł na brzegu morza pustą muszelkę i był zafascynowany jej strukturą i doskonałym pięknem. Przez pustą skorupę z kości prześwitywało niebo - wieczne i nieosiągalne.
Artysta przeniósł tę ideę na wizerunek Gali. Bohaterka jest rzutowana na tło, gdzie staje się eteryczna, przeobrażona w ażurową altanę, przez kolumny której otwiera się świat. Jej głowa jest platformą, z której widać niebo.
Obraz znajduje się w Muzeum-Teatrze Salvadora Dali w Hiszpanii.
Autoportrety
Dali, jako człowiek bezgranicznie narcystyczny, często czynił siebie bohaterem swoich obrazów. Niektóre z wczesnych autoportretów Dali'ego były bardzo naturalistyczne, jak na przykład Autoportret z szyją Rafaela (1922). Tytuł odsyła widza do słynnego autoportretu Rafaela. W innych pracach Dali maluje siebie bardziej dyskretnie - przykładem jest Sen z 1937 roku, przedstawiający dziwną istotę o cechach przypominających artystę.
Krajobrazy
Na początku swojej kariery Dali namalował serię pejzaży swojej ojczyzny. Później porzucił te konwencje malarskie, ale hiszpańskie pejzaże często pojawiały się także w jego surrealistycznych obrazach. W "Jeziorze górskim" z 1939 r. pas wody został skopiowany z jeziora w pobliżu Requesens w Pirenejach, a skały przypominają cypel w pobliżu Cadaqués. Telefon nawiązuje do rozmów telefonicznych między Adolfem Hitlerem a brytyjskim premierem Nevillem Chamberlainem, które zakończyły się układem monachijskim w 1938 roku. Później pejzaże Dali stały się dość fantastyczne - przykładem jest Pejzaż surrealistyczny z 1968 roku.
Styl późny
W późnych pracach Dalego widać wpływ nowych ruchów artystycznych - w szczególności amerykańskiego abstrakcyjnego ekspresjonizmu i pop-artu. Seks nadal stanowił główny temat w twórczości Dali, ale w późniejszym okresie udało mu się stworzyć kilka znaczących obrazów o treści religijnej. Wielu krytyków postrzegało powojenną twórczość Dali jako ostateczną zdradę klasycznego surrealizmu. To nieprawda - to właśnie w obrazach "religijnych" artysta wykazał się niezwykłą umiejętnością interpretowania tradycyjnych tematów i obrazów w zupełnie nowy sposób.
Być może najbardziej imponującym obrazem religijnym Dali jest Chrystus św. Jana od Krzyża. Ten obraz nie każdemu przypadnie do gustu, ale każdego zaniepokoi i skłoni do refleksji. Kto raz go zobaczy, nigdy go nie zapomni.
