Foto: UGC Als u de essentie van het surrealisme wilt kennen, maak dan kennis met een briljante vertegenwoordiger van deze richting in de twintigste-eeuwse schilderkunst. Dit is Salvador Dali. De schilderijen van de Spaanse kunstenaar zijn de belichaming van de filosofie en de geest van het surrealisme, de epatage en het hyper-emotionisme. Ontdek interessante feiten over zijn beste creaties.
Salvador Dali identificeerde zich met het surrealisme. Alles aan de kunstenaar beantwoordde aan dit esthetisch concept: zijn manier van denken, zijn manier van doen, zijn krankzinnigheid, zijn vrijheid van morele voorschriften en stereotiep gedrag, zijn emotionaliteit en openheid.
Dali was een epatage in kunst en leven. Hij deed altijd alleen wat hij wilde doen, en schreef over wat hij dacht dat gepast was. Het is dan ook niet verwonderlijk dat in de jaren 1930 en 1950 het publiek geschokt was door zijn artistieke experimenten. De schilder, die uitblonk in klassieke tekentechnieken, was verzot op het impressionisme en het kubisme en kwam daardoor in aanraking met het surrealisme.
Deze kunststroming maakte het de kunstenaar mogelijk om openhartig over het meest intieme te spreken: het onderwerp seks en erotiek, seksuele perversie en onderdrukte seksuele verlangens, de vernietiging en zelfvernietiging van de mens. Maar het hoofdthema van zijn schilderijen - het is illusie, de wereld waarin een mens zich bevindt.
Foto: art-holst.com.ua: UGC
De schilderijen van Salvador Dali zijn moeilijk te interpreteren, om een logische verklaring te geven van bepaalde beelden, details, om hun betekenis te lezen. Dat komt omdat ze zijn samengesteld uit visuele woordspelingen, schizoïde beelden, toespelingen, en zijn geconstrueerd door te spelen met betekenissen en plots.
Dali's beroemdste schilderijen met korte beschrijvingen. Probeer de betekenissen die kunsthistorici onthullen te vergelijken met uw eigen indrukken en emoties die deze surrealistische schilderijen oproepen:
"The Permanence of Memory" (1931)
Foto: muzei-mira.com: UGC
Dit schilderij heeft verschillende titels: "De zachte (vloeiende) klok", "De stroom van de tijd", en "De hardheid van het geheugen". De grote mystificeerder Dali gaf verschillende verklaringen over de symbolen die op het doek zijn afgebeeld, maar dit heeft de kunsthistorici nog meer in verwarring gebracht.
"De Permanentie van het Geheugen" verbrijzelt het stereotype van de menselijke perceptie van tijd. De auteur benadrukt dat de tijd ver verwijderd is van de lineariteit waarmee deze vaak wordt geassocieerd.
Het idee voor het schilderij kreeg Dali tijdens het ontbijt toen Gala zachte kaas op toast smeerde. De schilder schilderde het schilderij terwijl hij overmand werd door migraine. Vandaar de sombere tinten, het overheersen van bruingrijze tinten.
Het centrale beeld, een hoofd op de grond, waarin Dali zelf herkenbaar is, is het belichaamde verlangen naar vrede en rust van pijn. De andere beelden (die vaak op zijn doeken voorkomen) geven het idee weer van de vergankelijkheid van het bestaan: mieren en vliegen eten de tijd op, zoals de veroudering het menselijk lichaam opeet. De rotskust en de zee zijn symbolen van onsterfelijkheid, die tijdloos is, eeuwig, zo staat het op de achtergrond. De uitgeputte olijfboom vertegenwoordigt het uitgeputte leven. Het hele schilderij drukt melancholie en vervagen uit.
Momenteel prijkt dit kleine schilderij (24x33 cm) in het New York Museum of Modern Art.
Stilleven.
In veel van Dali's schilderijen zijn stillevendetails te vinden - hij heeft ook een aantal "zuivere" stillevens gemaakt. Vermeldenswaard is een aantal composities geschilderd door de jonge Dalí - ze zijn uitgevoerd in de stijl van het 17de eeuwse Spaanse stilleven, waarvan Diego Velázquez en Francisco Zurbarán de meesters waren. "Stilleven met aubergines, 1922 kan worden beschouwd als een typisch voorbeeld van Dali's jeugdige stijl. Veel origineler is zijn "Levendig stilleven" (soms "Stilleven - snelle beweging" genoemd), 1956, dat een poging is om de algemeen aanvaarde regels voor dit genre te heroverwegen, het statisme te overwinnen en voorwerpen in beweging af te beelden.
"Zachte constructie met gekookte bonen" (1936).
Foto: opisanie-kartin.com: UGC
Dit doek is Salvador Dali's reactie op de binnenlandse politieke processen die Spanje eind jaren dertig overspoelden. Het was de tijd waarin Franco aan de macht kwam, de strijd tussen republikeinen en nationalisten. Het land stond aan de vooravond van een burgeroorlog.
Ondanks het feit dat Dali een aanhanger van Franco was, is het schilderij, dat verondersteld werd positieve veranderingen in de maatschappij weer te geven, opvallend fantasmagorisch en griezelig in zijn beeldspraak.
De hierboven beschreven politieke confrontatie in Spanje in 1936 wordt door de auteur voorgesteld als twee menselijke lichamen, die met verschillende delen van het lichaam vergroeid zijn en daaronder lijden. Zij schijnen te worstelen, zij willen scheiden en zij kunnen niet zonder elkander bestaan, want dan zouden zij hun houvast verliezen. Een handvol gekookte bonen verspreid in de buurt van de uitgemergelde arm van een van de Atlantiërs is een symbool van de armoede die de Spaanse samenleving heeft overspoeld.
Het schilderij is nu ondergebracht in het Philadelphia Museum of Art.
Slimme marketing
Dali begon zijn kunstgeschiedenis in de Verenigde Staten in de jaren 1940, waar een waarlijk marketing autobiografie, The Secret Life of Salvador Dali, door hemzelf geschreven, uitkwam. Met valse feiten, hoogdravende epatage details (overdreven en fictief), en schandalige verwijzingen naar Dali's karakter.
Salvador's zuster was zo verontwaardigd over deze leugens dat zij het jaar daarop haar eerder genoemde memoires publiceerde. En dit maakte Dali al woedend! Zulke goede publiciteit ruïneerde immers zijn imago als merkman en was niet bevorderlijk voor de verrijking. Het geld stroomde in handen van degenen bij wie schandaal, dubbelzinnigheid en onbeschaamdheid hand in hand gingen. Zij waren degenen waar Gala en Dali op wedden. En de waarheid van de zuster paste niet in dit paradigma.
Salvador Dali schrijft zijn boek in Hampton, Virginia (1941) / Foto: Eric Schaal
"De Giraffe in brand" (1936-1937)
Foto: cameralabs.org: UGC
Nog een schilderij uit een serie schilderijen, waarin Dali zijn eigen ervaring en oorlogsgevoel overbrengt. Het schilderij bevat, zoals alle andere scheppingen van de auteur, mystiek-fantastische beelden die door hun absurditeit tot de verbeelding spreken. Maar als men het rationele denken uitschakelt en uitsluitend vertrouwt op de emotionele waarneming, dan worden alle betekenissen duidelijk.
De twee vrouwenfiguren (Dali's favoriete beeld) zijn de belichaming van het menselijk bewustzijn. Het is niet veerkrachtig, wiebelig, het heeft voortdurend steun en rugdekking nodig. De laden zijn herinneringen en gedachten die mensen willen verbergen, maar die op een gegeven moment aan het publiek worden prijsgegeven. Dit leidt tot een tragedie (de bloedige handen van de heldinnen).
De giraffe, die in vlammen is opgegaan, is door de auteur op de achtergrond geplaatst. Het symboliseert het mannelijke apocalyptische element. Over het geheel genomen is het schilderij een belichaamd voorgevoel van oorlog in Spanje.
Het bevindt zich momenteel in bewaring bij het Musée d'art de Basel.
Portretten
Dali is niet al te bekend als portretschilder, maar hij had wel enige ervaring in het genre. De jonge Dali schilderde portretten van zijn familie en vrienden - bijvoorbeeld, Portret van Maria Carbone, 1925. Na zijn verhuizing naar New York ontdekte de kunstenaar dat het maken van portretten zeer lucratief was. Hij bleef dit soort opdrachten uitvoeren tijdens zijn bezoeken aan Amerika in de naoorlogse jaren. "Portret van mevrouw Jack Warner, 1945 is een van deze. Dali's Amerikaanse succes als portrettist was enerzijds te danken aan het snobisme van rijke Amerikanen die er prat op gingen een wereldberoemde kunstenaar voor zich te hebben werken, maar anderzijds ook aan Dali's vermogen om beelden te creëren die flatterend waren voor de klant.
"Zwanen weerspiegeld in olifanten" (1937).
Foto: a-nasta-siya.livejournal.com: UGC
Het thema van de illusie van alle dingen (het favoriete onderwerp van de kunstenaar) wordt in deze creatie weerspiegeld. Het vertegenwoordigt een bepaalde paranoïde-kritische methode van de kunstenaar.
Het doek vangt zijn jeugdtrauma, diep weggestopt in het onderbewustzijn en aan zichzelf herinnerd door de beelden-symbolen van dieren. De compositie is zo opgebouwd dat zij de essentie onthult van de illusie waarin de mens leeft en die hem onderdrukt.
Het is bekend dat Salvador Dali een moeilijke relatie had met zijn ouders. Ze rouwden veel om het eerste kind dat ze als zuigeling verloren. Dus kreeg de tweede zoon dezelfde naam als de eerstgeborene - Salvador. De toekomstige kunstenaar werd al op jonge leeftijd geconfronteerd met de illusie van de werkelijkheid: omringd door de kinderspullen en het speelgoed van zijn broer, kon hij niet begrijpen of hij nu leefde of dood was, of hij bestond of zijn broer.
Het surrealistische genie uitte deze gevoelens en wrok tegen zijn ouders in Swans Reflected in Elephants. De zwanen zijn de illusie van een goed en liefhebbend gezin, terwijl de olifanten de belichaming zijn van echte ouderliefde.
Dali prees olifanten voor hun onbaatzuchtige zorg voor hun kroost. Bovendien vertegenwoordigen olifanten dominantie en macht, iets waar het de kleine Salvador duidelijk aan ontbrak om zich veilig te voelen.
De rouwende man links, tegen een achtergrond van rotsen, is de auteur zelf, die niet klaar is om zich van zijn wrok te ontdoen, niet klaar om zich om te keren en het onder ogen te zien.
Het schilderij is thans in het bezit van een particuliere verzamelaar.
Dali en Gala
In die tijd was een van de belangrijkste thema's in Salvador Dali's kunst - seks - niet van de baan. Sommige auteurs gaan ervan uit dat de kunstenaar nooit met een vrouw is geweest voordat hij Gala ontmoette (Dominique de Gasquet en Paquita Llorens Verges menen van wel, zoals zij schrijven in hun boek "Gala en Dali. Looking Glass"), sommigen geloven dat hij totaal impotent was (zoals beschreven in zijn boek The shameful life of Salvador Dali, Ian Gibson).
Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images
Gala en Salvador Dali
Monse Ager zegt dat Dali zeker een seksuele relatie had met Gala. Het is mogelijk dat de kunstenaar meer geïnteresseerd was in seks als thema voor zijn kunst dan als middel tot genot, maar deze veronderstelling kan niet worden geverifieerd. Zijn morbide belangstelling voor het onderwerp kan in verband worden gebracht met het feit dat zijn vader als kind de kleine Dali een afbeelding liet zien van de gevolgen van syfilis, hetgeen een sterke invloed had op de beïnvloedbare Salvador.
Salvador D, 194, Jonge Maagd Auto-Sodomised door de horens van haar eigen kuisheid pic.twitter.com/64rNAWG4D
- mario andreolini (@marioandreolini) 5 juni 2016
"Betoverde kust met drie vloeibare grieten" (1938)
Foto: artchive.ru: UGC
Velen kennen de beelden van de drie Charitas, of Gratiën, uit de Griekse mythologie. Ze staan voor vrolijkheid, gratie en inspiratie. Dat is niet verwonderlijk, want zij dienen de godin van de liefde Aphrodite. Maar er zijn ook drie andere godinnen in de Griekse mythologie van wie het lot en de levensduur van een persoon afhangen. Het zijn de Moira's.
Salvador Dali besloot deze twee beelden te combineren, waardoor een beeld ontstond van het leven van de menselijke ziel. De eerste heldin, met een lange spindel in haar handen, begint de kant van het lot te weven. Het tweede is een symbool van de rijpheid van de menselijke ziel, wanneer men tot zichzelf komt, tot zijn identiteit. Daarom is het de enige die een duidelijke vorm heeft.
Trouwens, als je goed kijkt, zie je een ruiter op een paard en een man die hem achterna rent. Deze contouren symboliseren het menselijk verlangen om het leven sneller te leven, het eeuwige najagen van dromen.
De derde is de belichaming van het sterven, dus haar gezicht is een steen. Dit is hoe de ziel bevriest na de dood. Daarom gaat de figuur van de derde Grazia-Moira bijna op in het landschap, terwijl de andere twee duidelijk omlijnde vrouwelijke vormen hebben.
Ook de achtergrond waarop zij zijn afgebeeld is symbolisch: de zandige kust vertegenwoordigt de vergankelijkheid van het menselijk leven, terwijl de zee de eeuwigheid vertegenwoordigt.
Het schilderij wordt bewaard in Figueres, in het door de auteur opgerichte museum en theater.
1962-1963 - DNA.
Salvador Dali was bevriend met de wetenschapper Severo Ochua, van wie hij al het laatste nieuws uit de wetenschap leerde. Dali was ook bevriend met Francis Crick, James Watson en Maurice Wilkins, die in 1962 de Nobelprijs voor fysiologie en geneeskunde kregen voor de ontdekking van DNA.
Getty Images
Severo Ochua
Deze ontdekking beïnvloedde Salvador, wat tot uiting komt in zijn stereoscopische werken waarin hij de structuur van het gen reproduceert. Deze ontdekking versterkt ook het verlangen van de kunstenaar naar onsterfelijkheid. Naast het portret van zijn overleden broer, waarover wij in het begin schreven, was een van de interessantste werken, door Dali gemaakt onder de indruk van wetenschappelijke ontdekkingen, het schilderij GALACIDALACIDESOXIRIBUNUCLEICACID (voorteken aan Crick en Watson): daarin combineert Dali het beeld van de genenstructuur met engelen - en opnieuw wetenschap met religie. Misschien gelooft hij dat het geheim van onsterfelijkheid ligt in het combineren van deze twee tegengestelde dingen.
#Op deze dag in 1953, ontdekten Crick en Watson DNA. Dali brengt hulde in zijn 1963 "Galacidalacidesoxiribunicacid." pic.twitter.com/GeGmVxNtqH
- Het Dali-museum (@TheDali) 28 februari 2017
"Een droom veroorzaakt door de vlucht van een bij..." (1944)
Foto: artrue.ru: UGC
Hoe beeld je met beelden de geboorte van een droom uit? De Freudiaanse theorie van dromen als een manifestatie van onbewuste verlangens gaf geboorte aan het schilderij. Daarin gaf de auteur een golf van onderbewuste beelden weer, waarvan de boodschap de werkelijke omstandigheden van de droom van een vrouw waren. En nu in detail en in volgorde.
De op het schilderij afgebeelde beelden vormen duidelijk twee projecties: het nabije - de slapende vrouw - is de werkelijkheid; de tijgers, de olifant, de gebroken granaatappel en de zee zijn het onbewuste, dat de dromen voortbrengt.
Salvador vangt Gala, zijn minnares, muze en echtgenote, in het beeld van de slapende vrouw. De ontspannen houding van de vrouw geeft aan dat ze vast slaapt. Een granaatappel ligt naast haar, met een bij die er over vliegt.
Een bij die in het onderbewustzijn zoemt, stimuleert het verschijnen van beelden die met agressie worden geassocieerd - woedende circustijgers die uit de bek van een vurige roofvis springen. Deze laatste komt op zijn beurt voort uit de mystieke kern van de granaatappel, die doet denken aan verscheurd vlees (de twee korrels zijn bloeddruppels).
Als men bedenkt dat het schilderij wordt gecompleteerd met de afbeelding van een olifant op lange poten met een ijsberg op zijn rug, wordt de Freudiaanse subtekst van het schilderij duidelijk: de emotionele perceptie van de coïtus door de vrouw. Het wordt geassocieerd met mishandeling, opoffering en dood (het getrokken pistool).
Dit schilderij van Salvador Dalí hangt in het Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid.
Cinema
Dali ontmoette Luis Buñuel (1900-1983) in Madrid toen hij student was. Samen maakten ze twee surrealistische films, De Andalusische Hond, 1928 en De Gouden Eeuw, 1930. In de tweede film was Dali's betrokkenheid eerder nominaal, maar in De Andalusische Hond bepaalden zijn duistere fantasie en verlangen om de werkelijkheid ondergeschikt te maken aan droomlogica in hoge mate het succes van de film. Het meest indrukwekkend waren de opnamen die Dali maakte van een met mieren bedekte hand en een oog dat met een scheermes was afgesneden. In de VS werkte hij samen met een andere grote filmmaker, Alfred Hitchcock. Voor zijn film Spellbound uit 1945 (waarvan het artistieke weefsel berust op de axioma's van de psychoanalyse), vond Dali de droomsequentie uit. Bovendien besprak de kunstenaar de mogelijkheid om met Walt Disney samen te werken, maar verder dan een discussie kwam het niet.
"Mijn vrouw, naakt, kijkend naar haar eigen lichaam..." (1945)
Foto: artchive.ru: UGC
Gala was niet alleen een echtgenote en geliefde vrouw, maar ook een model van de wereld, waardoor Salvador Dali het eeuwige, het schone en het onveranderlijke trachtte te ontdekken.
Het schilderij is doordrongen van de tragiek van het waarnemen van de vergankelijkheid van het bestaan en het zoeken naar dat wat eeuwig en onvergankelijk is. Zoals in de meeste schilderijen van Salvador Dali, is het beeld onderworpen aan een twee-vlaks compositie. Op de voorgrond is een vrouw van achteren afgebeeld. De rondingen van haar lichaam zijn mooi en delicaat. Het is de belichaming van de mens, zijn stoffelijke essentie.
Rechts van haar staat een Grieks bas-reliëf, symbool van de eeuwigheid van de cultuur, en een paardenbloem, symbool van de vluchtigheid van het bestaan. De muur waartegen ze zijn afgebeeld is gebarsten, wat suggereert dat deze beelden een weerspiegeling zijn van de vergankelijkheid van het bestaan. Hetzelfde geldt voor de vrouw: haar haar is een verlengstuk van deze scheuren.
Het perspectief, aan de andere kant, is de vleesgeworden eeuwigheid. Als kind vond Salvador Dali eens een lege zeeschelp aan de kust en was gefascineerd door zijn structuur en volmaakte schoonheid. Door het lege omhulsel van bot, gluurde de hemel - eeuwig en onbereikbaar.
De kunstenaar bracht dit idee over op het beeld van Gala. De heldin wordt op de achtergrond geprojecteerd, waar zij etherisch wordt, getransformeerd in een opengewerkt prieel, door de zuilen waarvan de wereld opengaat. Haar hoofd is een platform van waaruit de hemel kan worden gezien.
Het schilderij bevindt zich in het Salvador Dali Museum-Theater in Spanje.
Zelfportretten
Dali, een oneindig narcistische man, maakte zichzelf vaak tot de held van zijn schilderijen. Sommige van Dali's vroege zelfportretten waren zeer naturalistisch, zoals Zelfportret met de hals van Raphael, 1922. De titel verwijst de kijker naar het beroemde zelfportret van Rafaël. In andere werken schildert Dali zichzelf discreter - een voorbeeld is Slaap, 1937, dat een vreemd wezen afbeeldt met trekken die aan de kunstenaar doen denken.
Landschappen
Vroeg in zijn carrière schilderde Dali een reeks landschappen van zijn vaderland. Later verliet hij de conventies van de schilderkunst, maar ook in zijn surrealistische schilderijen waren Spaanse landschappen vaak aanwezig. In "Bergmeer", 1939, is de strook water afgekeken van een meer bij Requesens in de Pyreneeën, en de rotsen lijken op een voorgebergte bij Cadaqués. De telefoon verwijst naar de telefoongesprekken tussen Adolf Hitler en de Britse premier Neville Chamberlain, die eindigden met de overeenkomst van München van 1938. Later werden Dali's landschappen helemaal fantastisch - Surrealistisch Landschap, 1968, is daar een voorbeeld van.
Late stijl
Dali's late werken tonen de invloed van nieuwe artistieke stromingen - in het bijzonder het Amerikaanse abstract expressionisme en de pop art. Seks bleef een belangrijk thema in Dali's werk, maar in de latere periode slaagde hij erin een aantal belangrijke schilderijen met religieuze inhoud te maken. Veel critici zagen Dali's naoorlogse werk als het ultieme verraad aan het klassieke surrealisme. Dit is nauwelijks waar - het is in zijn "religieuze" schilderijen dat de kunstenaar blijk heeft gegeven van een opmerkelijk vermogen om traditionele thema's en beelden op een geheel nieuwe manier te interpreteren.
Misschien wel Dali's meest indrukwekkende religieuze schilderij is De Christus van de Heilige Johannes van het Kruis. Dit schilderij zal niet iedereen bevallen, maar iedereen zal erdoor gestoord worden en je aan het denken zetten. Als je het eenmaal ziet, vergeet je het nooit meer.
