Photo : UGC Si vous voulez connaître l'essence du surréalisme, faites connaissance avec un brillant représentant de cette orientation de la peinture du XXe siècle. C'est Salvador Dali. Les peintures de l'artiste espagnol sont l'incarnation de la philosophie et de l'esprit du surréalisme, de l'épatage et de l'hyperémotivité. Découvrez des faits intéressants sur ses meilleures créations.
Salvador Dali s'identifie au surréalisme. Tout chez l'artiste correspondait à ce concept esthétique : sa pensée, sa manière, sa folie, son absence de préceptes moraux et de comportements stéréotypés, son émotivité et son ouverture.
Dali était un épatage dans l'art et la vie. Il a toujours fait seulement ce qu'il voulait faire, et a écrit sur ce qu'il pensait être approprié. Il n'est donc pas surprenant que, dans les années 1930 et 1950, le public ait été choqué par ses expériences artistiques. Le peintre, qui excellait dans les techniques de dessin classique, aimait l'impressionnisme et le cubisme, et s'est donc rapproché du surréalisme.
Ce courant artistique a permis à l'artiste de parler franchement de ce qu'il y a de plus intime : il a abordé le sujet du sexe et de l'érotisme, de la perversion sexuelle et des désirs sexuels refoulés, de la destruction et de l'autodestruction de l'homme. Mais le thème principal de ses peintures - c'est l'illusion, le monde dans lequel une personne se trouve.
Photo : art-holst.com.ua : UGC
Les peintures de Salvador Dali sont difficiles à interpréter, à donner une explication logique de certaines images, de certains détails, à lire leur signification. En effet, ils sont composés de jeux de mots visuels, d'images schizoïdes, d'allusions, et sont construits en jouant avec les significations et les intrigues.
Présentation des peintures les plus célèbres de Dali avec de brèves descriptions. Essayez de comparer les significations révélées par les historiens de l'art avec vos propres impressions et émotions que ces peintures surréalistes évoquent :
"La permanence de la mémoire" (1931)
Photo : muzei-mira.com : UGC
Cette peinture a plusieurs titres : "L'horloge douce (qui coule)", "Le flux du temps" et "La dureté de la mémoire". Le grand mystificateur Dali a donné plusieurs explications sur les symboles qui sont représentés sur la toile, mais cela n'a fait qu'accroître la confusion des historiens de l'art.
"La permanence de la mémoire" fait voler en éclats le stéréotype de la perception du temps par l'homme. L'auteur souligne qu'il est loin de la linéarité à laquelle le temps est souvent associé.
L'idée du tableau est venue à Dali au cours du petit-déjeuner, alors que Gala étalait du fromage à pâte molle sur des toasts. Le peintre a peint le tableau alors qu'il était pris d'une migraine. D'où les tons sombres, la prédominance des nuances de brun-gris.
L'image centrale, une tête sur le sol, dans laquelle Dali lui-même est reconnaissable, représente le désir incarné de paix et de repos de la douleur. Les autres images (que l'on retrouve fréquemment sur ses toiles) représentent l'idée du caractère périssable de l'existence : les fourmis et les mouches mangent le temps, comme le vieillissement mange le corps humain. Le rivage rocheux et la mer sont des symboles de l'immortalité, qui est intemporelle, éternelle, elle est donc en arrière-plan. L'olivier épuisé représente la vie épuisée. L'ensemble du tableau exprime la mélancolie et le dépérissement.
Actuellement, ce petit tableau (24x33 cm) orne le Musée d'art moderne de New York.
Nature morte .
On retrouve des détails de natures mortes dans de nombreuses peintures de Dali - il a également réalisé plusieurs natures mortes "pures". Il convient de noter un certain nombre de compositions peintes par le jeune Dalí - elles sont exécutées dans le style des natures mortes espagnoles du XVIIe siècle, dont Diego Velázquez et Francisco Zurbarán étaient les maîtres. "Nature morte aux aubergines", 1922, peut être considéré comme un exemple typique du style jeune de Dali. Beaucoup plus originale est sa "Lively Still Life" (parfois appelée "Still Life - Fast Movement"), 1956, qui est une tentative de reconsidérer les règles généralement admises pour ce genre, de dépasser le statisme et de représenter des objets en mouvement.
"Construction molle avec haricots bouillis" (1936).
Photo : opisanie-kartin.com : UGC
Cette toile représente la réaction de Salvador Dali aux processus politiques internes qui ont embrasé l'Espagne à la fin des années 30. C'est l'époque de l'arrivée au pouvoir de Franco, de la lutte entre républicains et nationalistes. Le pays était à la veille d'une guerre civile.
Malgré le fait que Dali était un partisan de Franco, la peinture, qui était censée dépeindre des changements positifs dans la société, est étonnamment fantasmagorique et sinistre dans son imagerie.
La confrontation politique en Espagne en 1936, décrite ci-dessus, est présentée par l'auteur comme deux corps humains, qui sont fusionnés avec différentes parties du corps et en souffrent. Ils semblent se débattre, ils veulent se séparer et ne peuvent exister l'un sans l'autre, car ils perdraient ainsi pied. Une poignée de haricots bouillis éparpillés près du bras décharné de l'un des Atlantes est un symbole de la pauvreté qui a envahi la société espagnole.
Le tableau est aujourd'hui conservé au Philadelphia Museum of Art.
Un marketing intelligent
Dali a commencé son histoire artificielle aux États-Unis dans les années 1940, où une véritable autobiographie marketing, The Secret Life of Salvador Dali, écrite par lui-même, est sortie de sa main. Avec de faux faits, des détails épatants (exagérés et fictifs) et des références scandaleuses au personnage de Dali.
La sœur de Salvador a été si indignée par ces mensonges qu'elle a publié ses mémoires susmentionnées l'année suivante. Et cela rendait déjà Dali furieux ! Après tout, une telle bonne publicité ruinait son image de marque et n'était pas propice à l'enrichissement. L'argent a coulé à flots dans les mains de ceux avec qui le scandale, l'ambiguïté et l'impertinence allaient de pair. C'est sur eux que Gala et Dali ont parié. Et la vérité de la sœur ne correspondait pas à ce paradigme.
Salvador Dali écrit son livre à Hampton, en Virginie (1941) / Photo : Eric Schaal
"La Girafe en feu" (1936-1937)
Photo : cameralabs.org : UGC
Une autre peinture d'une série de tableaux, dans laquelle Dali transmet sa propre expérience et son sens de la guerre. Le tableau, comme toutes les autres créations de l'auteur, contient des images mystico-fantastiques qui frappent l'imagination par leur absurdité. Mais si l'on éteint la pensée rationnelle et que l'on se fie uniquement à la perception émotionnelle, alors toutes les significations deviennent claires.
Les deux figures féminines (l'image préférée de Dali) sont l'incarnation de la conscience humaine. Il n'est pas stable, vacillant, il a constamment besoin d'être soutenu et épaulé. Les tiroirs sont des souvenirs et des pensées que les gens veulent cacher, mais qui, à un moment donné, sont révélés au public. Cela conduit à la tragédie (les mains ensanglantées des héroïnes).
La girafe, engloutie dans les flammes, est placée par l'auteur en arrière-plan. Il symbolise l'élément apocalyptique masculin. Dans l'ensemble, le tableau est une prémonition incarnée de la guerre en Espagne.
Elle est actuellement conservée au Musée d'art de Bâle.
Portraits
Dali n'est pas très connu en tant que portraitiste, mais il avait une certaine expérience du genre. Le jeune Dali peint des portraits de sa famille et de ses amis - par exemple, Portrait de Maria Carbone, 1925. Après avoir déménagé à New York, l'artiste a découvert que la réalisation de portraits était très lucrative. Il a continué à réaliser des commandes de ce type lors de ses visites en Amérique dans les années d'après-guerre. "Portrait de Mme Jack Warner, 1945" en fait partie. Le succès américain de Dali en tant que portraitiste était dû, d'une part, au snobisme des riches Américains, qui se vantaient d'avoir un artiste de renommée mondiale travaillant pour eux, et d'autre part, à la capacité de Dali à créer des images flatteuses pour le client.
"Les cygnes se reflètent dans les éléphants" (1937).
Photo : a-nasta-siya.livejournal.com : UGC
Le thème de l'illusion de toutes choses (sujet de prédilection de l'artiste) se reflète dans cette création. Il représente une méthode paranoïaque-critique particulière de l'artiste.
La toile capture le traumatisme de son enfance, enfoui au plus profond de son subconscient et rappelé à lui par les images-symboles des animaux. La composition est construite de manière à révéler l'essence de l'illusion dans laquelle l'homme vit et qui le supprime.
Il est connu que Salvador Dali avait une relation difficile avec ses parents. Ils ont beaucoup pleuré le premier enfant qu'ils ont perdu en bas âge. Le deuxième fils a donc reçu le même nom que l'aîné : Salvador. Le futur artiste a été confronté à l'illusion de la réalité dès son plus jeune âge : entouré des objets et jouets d'enfance de son frère, il n'arrivait pas à comprendre s'il était vivant ou mort, s'il existait lui ou son frère.
Le génie surréaliste a exprimé ces sentiments et son ressentiment à l'égard de ses parents dans Les cygnes reflétés par les éléphants. Les cygnes sont l'illusion d'une famille bonne et aimante, tandis que les éléphants sont l'incarnation du véritable amour parental.
Dali a fait l'éloge des éléphants pour les soins désintéressés qu'ils apportent à leur progéniture. En outre, les éléphants représentent la domination et le pouvoir, quelque chose qui manquait clairement au petit Salvador pour se sentir en sécurité.
L'homme en deuil représenté à gauche, sur fond de rochers, est l'auteur lui-même, qui n'est pas prêt à se séparer de son ressentiment, pas prêt à se retourner pour l'affronter.
Le tableau est actuellement la propriété d'un collectionneur privé.
Dali et Gala
À l'époque, l'un des thèmes les plus importants de l'art de Salvador Dali - le sexe - n'est pas prêt de disparaître. Certains auteurs supposent que l'artiste n'a jamais été avec une femme avant de rencontrer Gala (Dominique de Gasquet et Paquita Llorens Verges le pensent, comme ils l'écrivent dans leur livre "Gala et Dali". Looking Glass"), certains pensent qu'il était tout à fait impuissant (comme le décrit Ian Gibson dans son livre The shameful life of Salvador Dali).
Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images
Gala et Salvador Dali
Monse Ager affirme que Dali a certainement eu une relation sexuelle avec Gala. En fait, il se peut que l'artiste ait été plus intéressé par le sexe comme thème de son art que comme moyen de plaisir, mais cette hypothèse ne peut être vérifiée. Son intérêt morbide pour le sujet peut être lié au fait que, dans son enfance, son père a montré au jeune Dali une image des conséquences de la syphilis, ce qui a fortement influencé l'impressionnable Salvador.
Salvador D, 194, Jeune vierge auto-sodomisée par les cornes de sa propre chasteté pic.twitter.com/64rNAWG4D
- mario andreolini (@marioandreolini) 5 juin 2016
"Rivage enchanté aux trois grâces liquides" (1938)
Photo : artchive.ru : UGC
Nombreux sont ceux qui connaissent les images des trois Charitas, ou Grâces, de la mythologie grecque. Ils représentent la gaieté, la grâce et l'inspiration. Ce n'est pas surprenant car ils servent la déesse de l'amour Aphrodite. Mais il existe également trois autres déesses dans la mythologie grecque dont dépendent le destin et la longévité de l'homme. Ce sont les Moira.
Salvador Dali a décidé de combiner ces deux images, créant ainsi une image de la vie de l'âme humaine. La première héroïne, un long fuseau dans les mains, commence à tisser la dentelle du destin. Le second est un symbole de la maturité de l'âme humaine, lorsque l'on arrive à se connaître soi-même, à connaître son identité. C'est pourquoi il est le seul à avoir une forme claire.
D'ailleurs, si vous regardez attentivement les caractéristiques, vous verrez un cavalier sur un cheval et un homme courant après lui. Ces contours symbolisent le désir humain de vivre plus vite, l'éternelle poursuite des rêves.
La troisième est l'incarnation de la mort, son visage est donc une pierre. C'est ainsi que l'âme se fige après la mort. C'est pourquoi la figure de la troisième Grazia-Moira se confond presque avec le paysage, tandis que les deux autres présentent des formes féminines clairement dessinées.
Le fond sur lequel ils sont représentés est également symbolique : le rivage sablonneux représente la fugacité de la vie humaine, tandis que la mer représente l'éternité.
Le tableau est conservé à Figueres, dans le musée et le théâtre créés par l'auteur.
1962-1963 - ADN.
Salvador Dali était ami avec le scientifique Severo Ochua, dont il a appris toutes les dernières nouvelles de la science. Dali était également ami avec Francis Crick, James Watson et Maurice Wilkins, qui ont reçu le prix Nobel de physiologie ou de médecine en 1962 pour la découverte de l'ADN.
Getty Images
Severo Ochua
Cette découverte a influencé Salvador, ce qui se reflète dans ses œuvres stéréoscopiques où il reproduit la structure du gène. Cette découverte renforce également le désir d'immortalité de l'artiste. Outre le portrait de son frère décédé, dont nous avons parlé au début, l'une des œuvres les plus intéressantes, créée par Dali sous l'impression d'une découverte scientifique, est le tableau GALACIDALACIDESOXIRIBUNUCLEICACID (présages pour Crick et Watson) : Dali y combine l'image de la structure du gène avec des anges - et à nouveau la science avec la religion. Peut-être croit-il que le secret de l'immortalité réside dans la combinaison de ces deux choses opposées.
#OnThisDay en 1953, Crick et Watson ont découvert l'ADN. Dali lui rend hommage dans son "Galacidalacidesoxiribunicacid" de 1963. pic.twitter.com/GeGmVxNtqH
- Le musée Dali (@TheDali) 28 février 2017
"Un rêve provoqué par le vol d'une abeille..." (1944)
Photo : artrue.ru : UGC
Comment représenter par l'image la naissance d'un rêve ? La théorie freudienne des rêves comme manifestation des désirs inconscients a donné naissance à la peinture. L'auteur y a dépeint un déferlement d'images subconscientes, dont le message était les circonstances réelles du rêve d'une femme. Et maintenant, pour entrer dans le détail et dans l'ordre.
Les images représentées dans le tableau forment clairement deux projections : le proche - la femme endormie - est la réalité ; les tigres, l'éléphant, la grenade brisée et la mer sont l'inconscient, qui génère les rêves.
Salvador capture Gala, sa maîtresse, sa muse et sa femme, dans l'image de la femme endormie. La pose détendue de la femme indique qu'elle est profondément endormie. Une grenade se trouve à côté d'elle, avec une abeille qui la survole.
Une abeille bourdonnant dans le subconscient stimule l'apparition d'images associées à l'agressivité - des tigres de cirque furieux bondissant hors de la bouche d'un poisson prédateur ardent. Ce dernier émerge à son tour du noyau mystique de la grenade, qui rappelle la chair déchirée (les deux grains sont des gouttes de sang).
Si l'on considère que le tableau est complété par l'image d'un éléphant sur de longues jambes avec un iceberg sur le dos, le sous-texte freudien du tableau devient évident : la perception émotionnelle du coït par la femme. Il est associé à l'agression, au sacrifice et à la mort (l'arme dégainée).
Ce tableau de Salvador Dalí se trouve au musée Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Cinéma
Dali a rencontré Luis Buñuel (1900-1983) à Madrid alors qu'il était étudiant. Ensemble, ils ont réalisé deux films surréalistes, Le chien andalou, 1928 et L'âge d'or, 1930. Dans le second film, la participation de Dali était plutôt nominale, mais dans Le chien andalou, sa fantaisie sombre et son désir de subordonner la réalité à la logique du rêve ont largement déterminé le succès du film. Les plus impressionnants sont les clichés que Dali a offerts d'une main recouverte de fourmis et d'un œil coupé avec une lame de rasoir. Aux États-Unis, l'artiste a travaillé avec un autre grand cinéaste, Alfred Hitchcock. Pour son film Spellbound de 1945 (dont la trame artistique repose sur les axiomes de la psychanalyse), Dali invente la séquence de rêve. En outre, l'artiste a discuté de la possibilité de travailler avec Walt Disney, mais cela n'a pas dépassé le stade de la discussion.
"Ma femme, nue, regardant son propre corps..." (1945)
Photo : artchive.ru : UGC
Gala n'était pas seulement une épouse et une femme aimée, mais un modèle du monde, à travers lequel Salvador Dali cherchait à découvrir l'éternel, le beau et l'immuable.
Le tableau est imprégné de la tragédie de la perception du caractère éphémère de l'existence et de la recherche de ce qui est éternel et impérissable. Comme dans la plupart des peintures de Salvador Dali, l'image est soumise à une composition à deux plans. Au premier plan, une femme est représentée de dos. Les courbes de son corps sont belles et délicates. Il est l'incarnation de l'homme, son essence corporelle.
À sa droite, un bas-relief grec, symbole de l'éternité de la culture, et un pissenlit, symbole de la fugacité de l'existence. Le mur contre lequel ils sont représentés est fissuré, ce qui suggère que ces images sont un reflet de la fugacité de l'existence. Il en va de même pour la femme : ses cheveux sont le prolongement de ces fissures.
La perspective, en revanche, c'est l'éternité incarnée. Un jour, alors qu'il était enfant, Salvador Dali a trouvé un coquillage vide au bord de la mer et a été fasciné par sa structure et sa beauté parfaite. A travers la coquille vide de l'os, le ciel a percé - éternel et inaccessible.
L'artiste a transféré cette idée à l'image de Gala. L'héroïne est projetée à l'arrière-plan, où elle devient éthérée, transformée en une tonnelle ajourée, à travers les colonnes de laquelle le monde s'ouvre. Sa tête est une plate-forme d'où l'on peut voir les cieux.
Le tableau se trouve au musée-théâtre Salvador Dali en Espagne.
Autoportraits
Dali, étant un homme infiniment narcissique, s'est souvent fait le héros de ses tableaux. Certains des premiers autoportraits de Dali étaient très naturalistes, comme l'Autoportrait au cou de Raphaël, 1922. Le titre renvoie ici le spectateur au célèbre autoportrait de Raphaël. Dans d'autres œuvres, Dali se peint plus discrètement, comme dans Sleep, 1937, qui représente une étrange créature dont les traits rappellent ceux de l'artiste.
Paysages
Au début de sa carrière, Dali a peint une série de paysages de son pays natal. Il a par la suite abandonné les conventions de la peinture, mais les paysages espagnols étaient souvent présents dans ses tableaux surréalistes également. Dans "Mountain Lake", 1939, la bande d'eau est copiée d'un lac près de Requesens dans les Pyrénées, et les rochers ressemblent à un promontoire près de Cadaqués. Le téléphone fait allusion aux conversations téléphoniques entre Adolf Hitler et le Premier ministre britannique Neville Chamberlain, qui ont abouti aux accords de Munich en 1938. Plus tard, les paysages de Dali sont devenus tout à fait fantastiques - Paysage surréaliste, 1968, en est un exemple.
Style tardif
Les œuvres tardives de Dali montrent l'influence de nouveaux courants artistiques - en particulier l'expressionnisme abstrait américain et le pop art. Le sexe reste un thème majeur dans l'œuvre de Dali, mais à la fin de sa carrière, il réussit à créer un certain nombre de tableaux significatifs à contenu religieux. De nombreux critiques considèrent l'œuvre d'après-guerre de Dali comme l'ultime trahison du surréalisme classique. C'est loin d'être le cas : c'est dans ses tableaux "religieux" que l'artiste a fait preuve d'une remarquable capacité à interpréter des thèmes et des images traditionnels d'une manière totalement nouvelle.
La peinture religieuse la plus impressionnante de Dali est peut-être le Christ de Saint Jean de la Croix. Ce tableau ne plaira pas à tout le monde, mais tous seront troublés et vous feront réfléchir. Une fois que vous l'aurez vu, vous ne l'oublierez jamais.
