Foto: UGC Wenn Sie das Wesen des Surrealismus kennen lernen wollen, dann lernen Sie einen brillanten Vertreter dieser Richtung in der Malerei des zwanzigsten Jahrhunderts kennen. Das ist Salvador Dali. Die Bilder des spanischen Künstlers verkörpern die Philosophie und den Geist des Surrealismus, der Epatage und des Hyper-Emotionalismus. Entdecken Sie interessante Fakten über seine besten Kreationen.
Salvador Dali identifizierte sich mit dem Surrealismus. Alles am Künstler entsprach diesem ästhetischen Konzept: sein Denken, sein Auftreten, seine Verrücktheit, seine Freiheit von moralischen Vorgaben und stereotypem Verhalten, seine Emotionalität und Offenheit.
Dali war eine Epatage in der Kunst und im Leben. Er hat immer nur das getan, was er tun wollte, und über das geschrieben, was er für richtig hielt. Es ist daher nicht verwunderlich, dass die Öffentlichkeit in den 1930er und 1950er Jahren über seine künstlerischen Experimente schockiert war. Der Maler, der sich in klassischen Zeichentechniken auszeichnete, begeisterte sich für den Impressionismus und den Kubismus und kam so zum Surrealismus.
Dieser Trend in der Kunst erlaubte es dem Künstler, offen über das Intimste zu sprechen: Er berührte das Thema Sex und Erotik, sexuelle Perversion und unterdrückte sexuelle Wünsche, die Zerstörung und Selbstzerstörung des Menschen. Aber das Hauptthema seiner Bilder ist die Illusion, die Welt, in der sich der Mensch befindet.
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Die Gemälde von Salvador Dali sind schwer zu interpretieren, eine logische Erklärung für bestimmte Bilder und Details zu geben, ihre Bedeutung zu lesen. Das liegt daran, dass sie aus visuellen Wortspielen, schizoiden Bildern und Anspielungen bestehen und durch das Spiel mit Bedeutungen und Handlungen konstruiert sind.
Die berühmtesten Gemälde Dalis werden mit kurzen Beschreibungen vorgestellt. Versuchen Sie, die von den Kunsthistorikern ermittelten Bedeutungen mit Ihren eigenen Eindrücken und Emotionen zu vergleichen, die diese surrealistischen Gemälde hervorrufen:
"Die Permanenz der Erinnerung" (1931)
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Dieses Gemälde hat mehrere Titel: "Die weiche (fließende) Uhr", "Der Fluss der Zeit" und "Die Härte der Erinnerung". Der große Mystiker Dali gab mehrere Erklärungen zu den auf der Leinwand dargestellten Symbolen, was die Kunsthistoriker jedoch weiter verwirrt hat.
"Die Permanenz der Erinnerung" erschüttert das Stereotyp der menschlichen Zeitwahrnehmung. Der Autor betont, dass sie weit von der Linearität entfernt ist, mit der die Zeit oft assoziiert wird.
Die Idee zu dem Gemälde kam Dali beim Frühstück, als Gala Weichkäse auf Toast streichte. Der Maler malte das Bild, während er von einer Migräne geplagt wurde. Daher die düsteren Töne, die Vorherrschaft der bräunlich-grauen Farbtöne.
Das zentrale Bild, ein auf dem Boden liegender Kopf, in dem Dali selbst zu erkennen ist, steht für den verkörperten Wunsch nach Frieden und Erholung vom Schmerz. Die anderen Bilder (die häufig auf seinen Leinwänden zu finden sind) stellen die Idee der Vergänglichkeit der Existenz dar: Ameisen und Fliegen fressen die Zeit, so wie das Altern den menschlichen Körper auffrisst. Das felsige Ufer und das Meer sind Symbole für die Unsterblichkeit, die zeitlos, ewig ist, so ist es im Hintergrund. Der erschöpfte Olivenbaum steht für das erschöpfte Leben. Das ganze Gemälde drückt Melancholie und Vergänglichkeit aus.
Dieses kleine Gemälde (24x33 cm) schmückt derzeit das New Yorker Museum of Modern Art.
Stilleben .
In vielen Gemälden Dalis finden sich Details aus dem Stilleben - er schuf auch einige "reine" Stillleben. Bemerkenswert ist eine Reihe von Kompositionen des jungen Dalí, die im Stil des spanischen Stilllebens des 17. Jahrhunderts ausgeführt sind, dessen Meister Diego Velázquez und Francisco Zurbarán waren. Das "Stilleben mit Auberginen" von 1922 kann als typisches Beispiel für Dalis jugendlichen Stil angesehen werden. Sehr viel origineller ist sein "Lebendiges Stillleben" (manchmal auch "Stillleben - Schnelle Bewegung" genannt) von 1956, das ein Versuch ist, die allgemein akzeptierten Regeln für dieses Genre zu überdenken, den Statismus zu überwinden und Objekte in Bewegung darzustellen.
"Weicher Aufbau mit gekochten Bohnen" (1936).
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Dieses Gemälde stellt Salvador Dalis Reaktion auf die innenpolitischen Prozesse dar, die Ende der 1930er Jahre in Spanien stattfanden, als Franco an die Macht kam und der Kampf zwischen Republikanern und Nationalisten entbrannte. Das Land befand sich am Vorabend eines Bürgerkriegs.
Trotz der Tatsache, dass Dali ein Anhänger Francos war, ist das Gemälde, das positive Veränderungen in der Gesellschaft darstellen sollte, in seiner Bildsprache auffallend phantasmagorisch und unheimlich.
Die oben beschriebene politische Konfrontation im Spanien des Jahres 1936 wird vom Autor als zwei menschliche Körper dargestellt, die mit verschiedenen Körperteilen verschmolzen sind und darunter leiden. Sie scheinen zu kämpfen, sie wollen sich trennen und sie können nicht ohne einander existieren, denn dann würden sie den Halt verlieren. Eine Handvoll gekochter Bohnen, die in der Nähe des mageren Arms eines der Atlanter verstreut sind, ist ein Symbol für die Armut, die die spanische Gesellschaft erfasst hat.
Das Gemälde befindet sich heute im Philadelphia Museum of Art.
Cleveres Marketing
Dalí begann seine künstliche Geschichte in den Vereinigten Staaten in den 1940er Jahren, wo eine wahrhaftig vermarktete Autobiografie, The Secret Life of Salvador Dali, von ihm selbst verfasst, aus seiner Hand kam. Mit falschen Fakten, hochkarätigen Epatage-Details (übertrieben und fiktiv) und skandalösen Anspielungen auf Dalis Charakter.
Salvadors Schwester war über diese Lügen so empört, dass sie im folgenden Jahr ihre bereits erwähnten Memoiren veröffentlichte. Und das machte Dali schon wütend! Schließlich ruinierte eine so gute Publicity sein Image als Markenartikler und war der Bereicherung nicht förderlich. Das Geld floss in die Hände derer, bei denen Skandal, Zweideutigkeit und Unverfrorenheit Hand in Hand gingen. Sie waren es, auf die Gala und Dali gesetzt haben. Und die Wahrheit der Schwester passte nicht in dieses Paradigma.
Salvador Dali schreibt sein Buch in Hampton, Virginia (1941) / Foto: Eric Schaal
"Die brennende Giraffe" (1936-1937)
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Ein weiteres Bild aus einer Reihe von Gemälden, in denen Dali seine eigenen Erfahrungen und sein Gefühl für den Krieg verarbeitete. Das Gemälde enthält, wie alle anderen Werke des Autors, mystisch-fantastische Bilder, die in ihrer Absurdität die Phantasie anregen. Schaltet man aber das rationale Denken aus und verlässt sich allein auf die emotionale Wahrnehmung, dann werden alle Bedeutungen klar.
Die beiden weiblichen Figuren (Dalis Lieblingsbild) sind die Verkörperung des menschlichen Bewusstseins. Er ist nicht stabil, wackelig, er braucht ständig Unterstützung und Rückhalt. Die Schubladen sind Erinnerungen und Gedanken, die die Menschen verbergen wollen, aber irgendwann an die Öffentlichkeit gelangen. Dies führt zu einer Tragödie (die blutigen Hände der Heldinnen).
Die Giraffe, die in Flammen aufgeht, wurde vom Autor im Hintergrund platziert. Er symbolisiert das männliche apokalyptische Element. Insgesamt ist das Gemälde eine verkörperte Vorahnung des Krieges in Spanien.
Es befindet sich derzeit in der Obhut des Musée d'art de Basel.
Porträts
Dali ist nicht allzu sehr als Porträtmaler bekannt, aber er hatte einige Erfahrung in diesem Genre. Der junge Dali malte Porträts von seiner Familie und seinen Freunden - zum Beispiel das Porträt von Maria Carbone, 1925. Nach seinem Umzug nach New York entdeckte der Künstler, dass das Anfertigen von Porträts sehr lukrativ war. Auch während seiner Aufenthalte in Amerika in den Nachkriegsjahren führte er Aufträge dieser Art aus. "Porträt von Mrs. Jack Warner, 1945 ist eines davon. Dalis amerikanischer Erfolg als Porträtist war einerseits auf den Snobismus wohlhabender Amerikaner zurückzuführen, die sich damit brüsteten, einen weltberühmten Künstler für sich arbeiten zu lassen, andererseits aber auch auf Dalis Fähigkeit, Bilder zu schaffen, die dem Kunden schmeichelten.
"Schwäne, die sich in Elefanten spiegeln" (1937).
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Das Thema der Illusion aller Dinge (das Lieblingsthema der Künstlerin) spiegelt sich in diesem Werk wider. Sie stellt eine besondere paranoid-kritische Methode des Künstlers dar.
Die Leinwand fängt sein Kindheitstrauma ein, das tief im Unterbewusstsein vergraben ist und durch die Bilder-Symbole der Tiere an sich selbst erinnert wird. Die Komposition ist so aufgebaut, dass sie das Wesen der Illusion, in der der Mensch lebt und die ihn unterdrückt, offenbart.
Es ist bekannt, dass Salvador Dali ein schwieriges Verhältnis zu seinen Eltern hatte. Sie trauerten sehr um das erste Kind, das sie als Säugling verloren hatten. So erhielt der zweite Sohn denselben Namen wie der Erstgeborene - Salvador. Der künftige Künstler wurde schon in jungen Jahren mit der Illusion der Realität konfrontiert: Umgeben von den Kindheitsgegenständen und Spielzeugen seines Bruders konnte er nicht verstehen, ob er lebendig oder tot war, ob er oder sein Bruder existierte.
Das surrealistische Genie drückte diese Gefühle und die Abneigung gegen seine Eltern in Schwäne in Elefanten gespiegelt aus. Die Schwäne sind die Illusion einer guten und liebevollen Familie, während die Elefanten die wahre elterliche Liebe verkörpern.
Dali lobte Elefanten für ihre selbstlose Fürsorge für ihre Nachkommen. Darüber hinaus stehen Elefanten für Dominanz und Macht, etwas, das dem kleinen Salvador eindeutig fehlte, um sich sicher zu fühlen.
Der trauernde Mann auf der linken Seite vor dem Hintergrund der Felsen ist der Autor selbst, der nicht bereit ist, sich von seinem Groll zu trennen, nicht bereit, sich ihm zu stellen.
Das Gemälde befindet sich derzeit im Besitz eines privaten Sammlers.
Dali und Gala
Zu dieser Zeit war eines der wichtigsten Themen in Salvador Dalis Kunst - Sex - noch nicht vom Tisch. Einige Autoren haben spekuliert, dass der Künstler noch nie mit einer Frau zusammen war, bevor er Gala traf (Dominique de Gasquet und Paquita Llorens Verhees glauben das, wie sie in ihrem Buch "Gala und Dali" schreiben. Looking Glass"), manche glauben, dass er völlig impotent war (wie in seinem Buch The shameful life of Salvador Dali, Ian Gibson, beschrieben).
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Gala und Salvador Dali
Monse Ager sagt, dass Dali sicherlich eine sexuelle Beziehung zu Gala hatte. Möglicherweise war der Künstler mehr an Sex als Thema für seine Kunst interessiert als an Vergnügen, aber diese Vermutung lässt sich nicht verifizieren. Sein morbides Interesse an diesem Thema mag damit zusammenhängen, dass sein Vater dem kleinen Dali als Kind ein Bild von den Folgen der Syphilis zeigte, das den beeinflussbaren Salvador stark beeinflusste.
Salvador D, 194, Young Virgin Auto-Sodomised by the horns of her Own Chastity pic.twitter.com/64rNAWG4D
- mario andreolini (@marioandreolini) 5. Juni 2016
"Verzaubertes Ufer mit drei flüssigen Grazien" (1938)
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Viele kennen die Bilder der drei Charitas, der Gnaden, aus der griechischen Mythologie. Sie stehen für Heiterkeit, Anmut und Inspiration. Das ist nicht verwunderlich, denn sie dienen der Liebesgöttin Aphrodite. In der griechischen Mythologie gibt es aber auch drei andere Göttinnen, von denen das Schicksal und die Langlebigkeit des Menschen abhängen. Sie sind die Moira.
Salvador Dali beschloss, diese beiden Bilder miteinander zu verbinden und so ein Bild vom Leben der menschlichen Seele zu schaffen. Die erste Heldin beginnt mit einer langen Spindel in der Hand, die Spitzen des Schicksals zu weben. Das zweite ist ein Symbol für die Reife der menschlichen Seele, wenn man sich selbst, seine Identität, erkennt. Deshalb ist sie die einzige, die eine klare Form hat.
Übrigens, wenn Sie genau hinschauen, sehen Sie einen Reiter auf einem Pferd und einen Mann, der ihm nachläuft. Diese Umrisse symbolisieren den menschlichen Wunsch, das Leben schneller zu leben, das ewige Streben nach Träumen.
Die dritte ist die Verkörperung des Sterbens, ihr Gesicht ist also ein Stein. So erstarrt die Seele nach dem Tod. Deshalb verschmilzt die Figur der dritten Grazia-Moira fast mit der Landschaft, während die beiden anderen klar umrissene weibliche Formen aufweisen.
Auch der Hintergrund, vor dem sie abgebildet sind, ist symbolisch: Der Sandstrand steht für die Vergänglichkeit des menschlichen Lebens, das Meer für die Ewigkeit.
Das Gemälde wird in Figueres aufbewahrt, in dem vom Autor gegründeten Museum und Theater.
1962-1963 - DNA.
Salvador Dali war mit dem Wissenschaftler Severo Ochua befreundet, von dem er alle Neuigkeiten aus der Wissenschaft erfuhr. Dali war auch mit Francis Crick, James Watson und Maurice Wilkins befreundet, die 1962 den Nobelpreis für Physiologie oder Medizin für die Entdeckung der DNA erhielten.
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Severo Ochua
Diese Entdeckung beeinflusste Salvador, was sich in seinen stereoskopischen Werken widerspiegelt, in denen er die Struktur des Gens nachbildet. Diese Entdeckung bestärkt auch den Wunsch des Künstlers nach Unsterblichkeit. Neben dem Porträt seines toten Bruders, über das wir eingangs geschrieben haben, war eines der interessantesten Werke, das Dali unter dem Eindruck wissenschaftlicher Entdeckungen schuf, das Gemälde GALACIDALACIDESOXIRIBUNUCLEICACID (Vorzeichen für Crick und Watson): Darin verbindet Dali das Bild der Genstruktur mit Engeln - und wiederum Wissenschaft mit Religion. Vielleicht glaubt er, dass das Geheimnis der Unsterblichkeit in der Kombination dieser beiden gegensätzlichen Dinge liegt.
#Am heutigen Tag, 1953, entdeckten Crick und Watson die DNA. Dali huldigt ihm 1963 in seinem Werk "Galacidalacidesoxiribunicacid". pic.twitter.com/GeGmVxNtqH
- The Dali Museum (@TheDali) February 28, 2017
"Ein Traum, ausgelöst durch den Flug einer Biene..." (1944)
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Wie kann man die Geburt eines Traums bildlich darstellen? Die Freudsche Theorie des Traums als Manifestation unbewusster Wünsche war die Geburtsstunde des Gemäldes. Darin schildert der Autor eine Flut von Bildern aus dem Unterbewusstsein, deren Botschaft die realen Umstände des Traums einer Frau sind. Und nun zu den Einzelheiten und der Reihenfolge nach.
Die auf dem Gemälde dargestellten Bilder bilden eindeutig zwei Projektionen: Das Nahe - die schlafende Frau - ist die Realität; die Tiger, der Elefant, der zerbrochene Granatapfel und das Meer sind das Unbewusste, das die Träume erzeugt.
Salvador hält Gala, seine Geliebte, Muse und Ehefrau, im Bild der schlafenden Frau fest. Die entspannte Haltung der Frau deutet darauf hin, dass sie fest schläft. Neben ihr liegt ein Granatapfel, der von einer Biene überflogen wird.
Eine Biene, die im Unterbewusstsein summt, stimuliert das Auftauchen von Bildern, die mit Aggression assoziiert werden - wütende Zirkustiger, die aus dem Maul eines feurigen Raubfisches springen. Letzteres wiederum entspringt dem mystischen Kern des Granatapfels, der an zerrissenes Fleisch erinnert (die beiden Körner sind Blutstropfen).
Wenn man bedenkt, dass das Gemälde durch das Bild eines Elefanten auf langen Beinen mit einem Eisberg auf dem Rücken vervollständigt wird, wird der Freud'sche Subtext des Gemäldes deutlich: die emotionale Wahrnehmung des Koitus durch die Frau. Sie wird mit Angriff, Opfer und Tod (die gezogene Waffe) assoziiert.
Dieses Gemälde von Salvador Dalí befindet sich im Thyssen-Bornemisza-Museum in Madrid.
Kino
Dali lernte Luis Buñuel (1900-1983) in Madrid kennen, als er noch Student war. Gemeinsam drehten sie zwei surrealistische Filme, Der andalusische Hund (1928) und Das goldene Zeitalter (1930). Im zweiten Film war Dalis Beteiligung eher gering, aber in Der andalusische Hund bestimmten seine dunkle Fantasie und sein Wunsch, die Realität der Traumlogik unterzuordnen, weitgehend den Erfolg des Films. Am eindrucksvollsten waren die Aufnahmen, die Dali von einer ameisenbedeckten Hand und einem mit einer Rasierklinge zerschnittenen Auge bot. In den USA arbeitete der Künstler mit einem anderen großen Filmemacher, Alfred Hitchcock, zusammen. Für seinen Film Spellbound von 1945 (dessen künstlerische Struktur auf den Axiomen der Psychoanalyse beruht) erfand Dali die Traumsequenz. Darüber hinaus diskutierte der Künstler die Möglichkeit einer Zusammenarbeit mit Walt Disney, aber es kam nicht über eine Diskussion hinaus.
"Meine Frau, nackt, betrachtet ihren eigenen Körper..." (1945)
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Gala war nicht nur eine Ehefrau und geliebte Frau, sondern ein Modell der Welt, durch das Salvador Dali das Ewige, Schöne und Unveränderliche zu entdecken suchte.
Das Gemälde ist durchdrungen von der Tragik der Wahrnehmung der Vergänglichkeit des Daseins und der Suche nach dem Ewigen und Unvergänglichen. Wie in den meisten Gemälden von Salvador Dali unterliegt das Bild einer zweidimensionalen Komposition. Im Vordergrund ist eine Frau in der Rückenansicht dargestellt. Die Kurven ihres Körpers sind schön und zart. Sie ist die Verkörperung des Menschen, seine körperliche Essenz.
Zu ihrer Rechten befindet sich ein griechisches Flachrelief, das Symbol für die Ewigkeit der Kultur, und ein Löwenzahn, das Symbol für die Vergänglichkeit der Existenz. Die Wand, an der sie abgebildet sind, hat Risse, was darauf hindeutet, dass diese Bilder die Vergänglichkeit der Existenz widerspiegeln. Das Gleiche gilt für die Frau: Ihr Haar ist eine Verlängerung dieser Risse.
Die Perspektive hingegen ist die leibhaftige Ewigkeit. Als Kind fand Salvador Dali einmal eine leere Muschel am Strand und war von ihrer Struktur und vollkommenen Schönheit fasziniert. Durch die leere Knochenschale lugte der Himmel hindurch - ewig und unerreichbar.
Der Künstler hat diese Idee auf das Bild von Gala übertragen. Die Heldin wird in den Hintergrund projiziert, wo sie ätherisch wird und sich in eine durchbrochene Laube verwandelt, durch deren Säulen sich die Welt öffnet. Ihr Kopf ist eine Plattform, von der aus man den Himmel sehen kann.
Das Gemälde befindet sich im Salvador-Dali-Museum-Theater in Spanien.
Selbstporträts
Dali, ein unendlich narzisstischer Mensch, machte sich oft selbst zum Helden seiner Bilder. Einige von Dalis frühen Selbstporträts waren sehr naturalistisch, wie zum Beispiel das Selbstporträt mit Raffaels Hals, 1922. Der Titel verweist den Betrachter auf Raffaels berühmtes Selbstporträt. In anderen Werken malt sich Dali diskreter - ein Beispiel dafür ist Sleep, 1937, das eine seltsame Kreatur mit Zügen zeigt, die an den Künstler erinnern.
Landschaften
Zu Beginn seiner Karriere malte Dali eine Reihe von Landschaften aus seiner Heimat. Später gab er die Konventionen der Malerei auf, aber spanische Landschaften waren auch in seinen surrealistischen Gemälden häufig vertreten. In "Mountain Lake" (1939) ist der Wasserstreifen einem See bei Requesens in den Pyrenäen nachempfunden, und die Felsen ähneln einer Landzunge bei Cadaqués. Das Telefon spielt auf die Telefongespräche zwischen Adolf Hitler und dem britischen Premierminister Neville Chamberlain an, die mit dem Münchner Abkommen von 1938 endeten. Später wurden Dalis Landschaften recht phantastisch - Surrealistische Landschaft, 1968, ist ein Beispiel dafür.
Später Stil
Dalis Spätwerk zeigt den Einfluss neuer künstlerischer Strömungen - insbesondere des amerikanischen abstrakten Expressionismus und der Pop Art. Sex ist nach wie vor ein wichtiges Thema in Dalis Werk, doch in der Folgezeit schafft er auch einige bedeutende Gemälde mit religiösem Inhalt. Viele Kritiker sahen in Dalis Nachkriegswerk den endgültigen Verrat am klassischen Surrealismus. Das stimmt nicht ganz, denn gerade in seinen "religiösen" Gemälden hat der Künstler eine bemerkenswerte Fähigkeit bewiesen, traditionelle Themen und Bilder auf völlig neue Weise zu interpretieren.
Dalis vielleicht eindrucksvollstes religiöses Gemälde ist Der Christus des Heiligen Johannes vom Kreuz. Dieses Gemälde wird nicht jedem gefallen, aber jeder wird sich daran stören und zum Nachdenken anregen. Wenn Sie es einmal gesehen haben, werden Sie es nie wieder vergessen.
