Tatouage de deux mains qui se tendent l'une vers l'autre

Tatouage couronne aquarelle
Les tatouages de couple sont un univers à part entière avec ses propres lois et règles. Les thèmes vont du symbolisme à l'humour. Les dessins identiques sont dessinés en amour comme un signe de la force d'une relation.

Ceux-ci sont créés en tant que message étendu. Les techniques sont le minimalisme, le linework, le réalisme, le old skool, le chicano, le dotwork, le traditionnel, le blackwork et le minimalisme.

Que me dit cette peinture ? "La création d'Adam" par Michelangelo Buonarroti

" La création d'Adam " (chapelle Sixtine, Cité du Vatican, Rome, 1508-1512) est la quatrième des neuf compositions centrales d'un cycle de fresques sur le thème de la création du monde, commandées par Michelangelo Buonarroti pour décorer le plafond de la chapelle Sixtine par le pape Jules II.

" Michel-Ange a peint Dieu dans l'esprit antique : il est réel dans son incarnation corporelle et divine. Vêtu d'une simple tunique rose, Dieu balaie le monde créé, entouré d'anges sans ailes. La figure féminine à sa droite est Eve, qui attend encore sa création, mais qui a déjà été conçue par Dieu. Alors qu'elle s'envole, Dieu se retourne, se précipite vers Adam et tend la main vers lui.

Ce mouvement vers sa création incarne l'énergie de vie que le Créateur entend transmettre à l'homme. La figure du Créateur se reflète dans la pose allongée d'Adam, créé à son image. Mais en même temps, la pose d'Adam répète aussi le contour de la roche : il n'est toujours qu'une partie du paysage qui l'entoure. Il n'y a littéralement pas assez d'étincelle de force vitale pour lui insuffler une âme.

Les mains se rencontrent presque. Michel-Ange place ce geste au centre même de la fresque et marque une pause pour intensifier l'impact des images. Nous pouvons pratiquement voir comment l'énergie est transmise à la main de l'homme par le pinceau de Dieu. En choisissant ce moment particulier de l'histoire de la création humaine - la naissance de l'âme - Michel-Ange l'assimile à une intuition créatrice. Selon lui, la capacité de créer et de réaliser est le don le plus précieux donné à l'homme par le ciel.

Entre les deux mains tendues l'une vers l'autre se trouve un miracle, inaccessible à notre vue. Léonard de Vinci avait déjà fait ce geste, mais alors que l'ange de sa Madone dans la grotte ne faisait que désigner le miracle, le geste de Dieu l'incarne ici. Ce geste sera répété plus tard par de nombreux autres artistes - en accord ou en désaccord avec la croyance de Michel-Ange en l'homme et en la puissance de la création."

"La première chose que je ressens ici est un moment de rencontre unique, plein d'énergie et de puissance. Dieu se précipite vers Adam pour lui insuffler la vie. Maintenant, leurs doigts se refermeront, et le corps flasque naîtra, gagnera en force et en vie, et le feu s'allumera dans les yeux d'Adam. Mais en même temps, j'ai le sentiment subtil que Dieu et son entourage se déplacent dans une autre direction, s'éloignant d'Adam. Ceci est indiqué par les figures de la femme et du bébé, c'est comme s'ils se repoussaient de lui, et donc en mettant en place le mouvement inverse.

Pourquoi ? Je suppose que, inconsciemment, Michel-Ange ne peignait pas ici la rencontre, mais le moment de séparation qui suit. Dieu représente à la fois le paternel et le maternel, et leur union conduit à la naissance de l'enfant, l'enfant Adam. La maternité de Dieu est véhiculée par le voile rouge, que j'associe au ventre de la mère, à l'univers de la mère, le ventre dans lequel sont conçues de nombreuses vies futures, des êtres humains potentiels. Les mains d'Adam et de Dieu tendues l'une vers l'autre sont comme un cordon ombilical qui a été coupé il y a un instant, et c'est ce moment de séparation que je vois dans le tableau.

Et puis la pose mélancolique d'Adam traduit non pas l'absence de vie, mais la tristesse de la séparation. Il ne sait pas encore que ce n'est que par cette séparation qu'il peut naître en tant qu'être humain, en tant que moi séparé. Les doigts de Dieu et d'Adam dans le tableau sont comme le pinceau d'un artiste, et cela me semble très important. Michel-Ange vit sans le savoir l'histoire de la séparation de deux côtés - à la fois comme Adam et comme le Créateur.

J'y vois non seulement la tristesse d'un enfant abandonné par son parent, mais aussi la tristesse d'un artiste obligé de dire adieu à sa progéniture, sa peinture. Mais aussi la détermination de l'artiste à franchir ce pas. Car ce n'est que lorsqu'il trouvera la force de se séparer de sa création que le tableau sera complet et pourra vivre une vie propre.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) était un sculpteur, peintre et architecte italien et un maître exceptionnel de la Renaissance. Dans le monde entier, le nom de Michel-Ange est associé aux fresques du plafond de la chapelle Sixtine, aux statues de David et de Moïse et à la cathédrale Saint-Pierre de Rome. L'art de Michel-Ange a incarné avec une énorme puissance à la fois les idéaux profondément humains de la Haute Renaissance et le sentiment tragique de crise de la vision humaniste du monde caractéristique de la fin de la Renaissance.

Tatouages pour les couples amoureux

Les tatouages sur les deux bras pour les filles et les garçons sont une tendance de notre époque.Le tatouage à deux bras pour les filles et les garçons est une tendance de notre époque par laquelle les gens montrent leur amour, leur dévotion et leur communauté d'intérêts. C'est un symbole pour 2 personnes, qui reste à jamais. Ils peuvent être commandés par des personnes d'âges, de statuts sociaux et de professions différents.

Les tatouages de couple sont plus populaires chez les couples amoureux, ainsi que chez les conjoints qui vivent ensemble depuis de nombreuses années. Dans ce cas, il est plus difficile de trouver un dessin approprié qu'un croquis pour une personne. Lors de la sélection, il convient de garder à l'esprit que les éléments brutaux ne conviennent pas au beau sexe et que les motifs doux ne conviennent pas aux hommes.

Les tatouages jumelés peuvent être élaborés ou simples, comme par exemple

2 alliances ;
Des dessins qui s'empilent comme une mosaïque ou qui prennent une signification particulière lorsqu'ils sont combinés. Les personnes qui les entourent peuvent voir la composition complète lorsque le couple s'enlace ou se tient la main ;
des mots qui, une fois combinés, deviennent une phrase ;
une flèche et un cœur ;
les symboles de la féminité et de la masculinité.

Un tatouage jumelé ne consiste pas toujours en deux parties se complétant l'une l'autre. Il est possible d'utiliser 2 images distinctes, par exemple si :

Le gars aime le football, la fille choisit un tatouage sur le sujet correspondant - une image d'un ballon, un terrain de football, un joueur de football ;
Une fille passionnée de musique, un homme applique une image d'un instrument de musique, une partition, une clé de sol.

Étant donné que la toile du tatouage est le corps et que le processus est douloureux et coûteux, il faut aborder le choix du symbole avec une grande responsabilité.

Souvent, le tatouage de couple d'amoureux est représenté par :

La date de la première rencontre ou de la naissance du premier enfant ;
Divers dessins dont la signification correspond à celle d'une clé et d'une serrure, d'un écrou et d'un boulon ou d'une douille et d'une fiche d'un appareil électrique ;
des motifs identiques, par exemple une paire de cœurs ou des personnages de dessins animés préférés.
Un portrait d'un être cher ou une inscription de son nom.

Inscriptions en russe et en langues étrangères

Un tatouage sous la forme d'un mot ou d'une phrase est l'occasion de refléter la caractéristique principale des images jumelées. Il suffit de diviser une phrase en deux moitiés pour qu'elle ne puisse être lue que lorsqu'elle est jointe.

Par exemple, "One Love, one heart" ou "I lived it every day... and no regrets".

Les tatouages jumelés qui sont des inscriptions et comme d'autres images peuvent être grands ou petits. La police de caractères de l'inscription peut également varier. Certains préfèrent porter sur la main un mot ou une phrase dans le style du minimalisme dans une police standard, tandis que d'autres se décorent avec des compositions entières.

On voit souvent un tatouage de "Sister" sur le bras d'une fille. Cela signifie qu'elle a une sœur qui porte exactement le même tatouage.

Symboles

Les anneaux sont le meilleur signe d'amour et de fidélité. Les tatouages symbolisent la confiance et une union solide. Le thème du roi et de la reine est également populaire. Vous pouvez choisir un design d'échecs ou de cartes monochrome ou une combinaison de couleurs nouvelle école.

Animaux, oiseaux, insectes

Les tatouages sur deux bras pour les filles et les garçons peuvent être réalisés à l'aide des motifs suivants :

Un loup et une lune. Un tel tatouage dénote le lien et l'affection des 2 amoureux ;
Silhouettes d'un chevreuil et d'un cerf. Ils symboliseront la fidélité ;
Tatouage avec une petite image d'un oiseau aux plumes brillantes et aux grands becs. Ils sont placés sur les poignets. Un porteur a un oiseau et l'autre a un deuxième oiseau. Lorsqu'ils se donnent la main, ils forment une image complète des oiseaux assis sur le même perchoir et se regardant les uns les autres ;
le loup et la louve. Ces croquis sont réalisés dans le style Dotwork. Tout comme un couple de cerfs, les loups sont un symbole de loyauté. Ils symbolisent également la force ;
2 chauves-souris perchées sur une branche, comme symbole de l'union familiale. Le mâle noir est appliqué sur le bras masculin et la femelle multicolore sur le bras féminin.

Motifs géométriques

Les motifs géométriques, tels que les battements de cœur, sont très populaires auprès des partenaires. Les flèches constituent une autre variation des motifs géométriques. Elles sont représentées de manière à ce que si les amoureux se tiennent la main, les flèches soient dirigées l'une vers l'autre.

"Sauver et préserver".

Inspiré de la phrase biblique, "Save & Preserve" n'est pas seulement une inscription unique, mais peut également être coécrit avec un être cher. Par exemple, "save" peut être sur la main d'une femme et "save" sur celle d'un homme. Une phrase complète est formée en joignant les mains.

Cœur

Une bonne façon de montrer un amour infini est de placer des dessins de cœurs sur les mains. Il y a une grande variété d'options différentes :

grands cœurs ;
petits cœurs ;
tatouage jumelé à l'aquarelle avec le contour d'un cœur sur le bras d'un homme et le cœur lui-même sur le bras d'une femme.

Motifs abstraits

Une option intéressante : les petits codes-barres. Au bas de ces images figurent des chiffres représentant une date importante, comme le jour où la fille et le garçon se sont rencontrés pour la première fois ou celui où le couple s'est marié.

Un autre symbole de l'amour sans fin, de la fidélité et d'une union solide est le tatouage d'empreintes digitales, chacune en forme de cœur. Les tatouages sont petits et sont généralement placés sur le poignet. Chaque empreinte digitale est inscrite avec le symbole de l'infini.

L'histoire d'un chef-d'œuvre : La création d'Adam de Michel-Ange

Il y a beaucoup, beaucoup de fresques sur le plafond de la chapelle Sixtine. Chacune d'entre elles mérite des heures d'attention touristique, des années de travail d'historien de l'art et des mots d'extase "Mamma mia !". Mais il y a une exposition principale dans cette extravagance - La création d'Adam. Snezhana Petrova explique pourquoi cette fresque est considérée comme l'apogée de l'œuvre de Michel-Ange.

"La création d'Adam", Michel-Ange (1511)

Le sujet est "Et Dieu créa l'homme à son image et à sa ressemblance". C'est une phrase pour décrire la fresque. Ou plutôt, il s'agissait d'une fresque peinte pour faire apparaître sous les yeux des gens les événements qui se cachent derrière une seule phrase. "La création d'Adam" fait partie d'une composition sur le plafond de la chapelle Sixtine. Le Créateur, comme s'il venait de parler à Aristote, tout antique, dans des robes flottantes, s'élève avec les anges dans l'espace infini. Derrière les épaules de Dieu se trouve Eve, qui n'en est encore qu'au stade de la planification, mais qui tiendra bientôt compagnie au premier homme. Adam lui-même est un jeune homme d'une beauté stupéfiante, parfaitement bâti. Même les anges semblent être étonnés de la beauté de la création de Dieu. La figure du Créateur se reflète dans la pose d'Adam allongé, nous rappelant à quel point l'homme a été créé à son image. La main droite de Dieu, tendue vers Adam, touche presque les doigts d'Adam. Il est clair que le processus par lequel le Créateur se tourne vers sa création a commencé peu avant les événements de la fresque. Et c'est ce processus qui fait qu'Adam, jusqu'alors indifférent au monde, s'éveille progressivement à la vie du corps et de l'esprit. L'attention est fixée sur les doigts, qui sont sur le point de se rejoindre. Apparemment, c'est à Michel-Ange que les cinéastes ont volé ce mouvement. Rappelez-vous toutes ces scènes où un héros est sur le point de tomber et demande de l'aide, l'autre tente de le retenir, leurs mains se tendent l'une vers l'autre et... l'intrigue !

Même si, bien sûr, au XVIe siècle, cette intrigue avait d'autres connotations. Par le fait que leurs mains ne se touchent pas, Michel-Ange souligne l'impossibilité de relier le divin et l'humain. En fait, cette fresque ne traite pas de la création de l'homme en tant qu'espèce, mais de la création d'une personne. Car Dieu n'apparaît pas ici comme un éleveur, mais comme une énergie, dont une particule est sur le point d'être donnée à l'homme également. Entre les deux mains tendues, il se produit un miracle inaccessible à nos yeux.

Michel-Ange n'a pas peint de fresques avant de peindre la chapelle Sixtine.

Les prospecteurs sont à la recherche de symboles cachés que Michel-Ange aurait codés dans les fresques. Et comme c'est bien connu, celui qui cherche trouvera. Les chasseurs d'arcanes peuvent voir des parties du corps humain - du cerveau au phallus.

Contexte

L'initiateur de la peinture de la chapelle Sixtine était le pape Jules II. Des événements importants devaient s'y dérouler, le cadre devait donc être approprié.

Par manque d'argent, le père confie Michel-Ange à des paysans pour qu'il soit élevé.

Michel-Ange n'a jamais fait de fresques, et il est peu probable qu'il en ait eu l'intention. Et la coopération avec Jules II en général a commencé sur un autre projet - le sculpteur a été commandé à la tombe pour le pape. Mais Bramante, le rival jaloux de Michel-Ange, est alors intervenu dans l'histoire. C'est Bramante qui persuada Jules que le tombeau de son vivant n'était pas pour le mieux et Buonarroti perdit sa commission. Mais les intrigues de Bramante ne s'arrêtent pas là. Il persuade son père de commander à Michel-Ange la peinture du plafond de la chapelle Sixtine, qui a besoin d'un rafraîchissement après la restauration.

Plafond de la Chapelle Sixtine (l'image s'agrandit en cliquant)

Michel-Ange a accepté le défi. Il a choisi les matériaux et conçu l'échafaudage lui-même. Le travail a dû être effectué à la limite de la capacité physique. Après la peinture de la chapelle, Buonarroti ne pouvait que lire pendant un long moment en tenant le texte au-dessus de sa tête. Plus l'arthrite, la scoliose et une infection de l'oreille. Tout ceci est la revanche d'un chef-d'œuvre. Sans parler du stress. Papa part à la guerre et oublie de payer les matériaux, puis, après une longue période d'immobilisation, commence à forcer le délai, puis déclare qu'il faut ajouter le bleu et l'or (parce que ça fait trop pauvre). En général, que puis-je dire - l'église n'est pas un client facile. Mais Michel-Ange a tout supporté. Le pape était satisfait. Les fresques elles-mêmes ont émerveillé les gens avant même qu'elles ne soient terminées. Cependant, Bramante a laissé Raphaël entrer dans la chapelle pour étudier les fresques de la voûte jusqu'à ce que Michel-Ange les voie. En fait, nous ne connaissons pas la véritable solution coloristique des fresques de la chapelle Sixtine. Des centaines d'années d'ennuis de toutes sortes, de suie, de saleté et de tentatives de restauration ratées ont entraîné la perte d'une partie de l'œuvre de Buonarroti.

Le destin de l'artiste

La Toscane. Mars. Un autre enfant naît dans la famille d'un noble florentin appauvri. Michel-Ange. L'argent étant catastrophiquement insuffisant pour nourrir tous les enfants, le père de famille s'en est sorti comme il a pu. Par exemple, Michel-Ange a été envoyé pour être élevé par des gens du peuple à la campagne. C'est là que l'enfant a appris ce qu'était l'argile et comment la travailler. Il ne savait pas encore écrire ni lire, mais il utilisait déjà son ciseau à bois de manière optimale. Michel-Ange a appris à travailler l'argile avant de savoir lire et écrire.

Plus tard, au cours de son apprentissage auprès de sculpteurs professionnels, Michel-Ange est remarqué par Lorenzo de Medici. Et si Lorenzo de' Medici repérait quelqu'un, cette personne était garantie de commissions, de revenus, d'une vie heureuse. Après la mort de son mécène en 1492, Michel-Ange a dû se débrouiller seul. Son principal client était l'église. Il a travaillé alternativement à Rome et à Florence. Il a travaillé principalement dans la sculpture.

Un portrait de Michelangelo Buonarroti. Jacopo del Conte, 1540.

Michel-Ange était un perfectionniste terrible, voire terrifiant. Il pouvait abandonner un travail à moitié terminé s'il remarquait que quelque chose n'était pas entièrement conforme à sa conception. Il a brûlé un grand nombre de ses dessins peu avant sa mort. Le même sort attendait ses esquisses - Michel-Ange ne voulait pas que quelqu'un voie les difficultés de la création artistique.

Dans sa vieillesse, Michelangelo a écrit des sonnets passionnés à sa muse de 40 ans.

Buonarroti gravitait avant tout autour de la sculpture, mais il était également peintre et architecte. Tout ce que le client désire. Un génie généraliste. Il a même écrit des poèmes. Ce talent se révèle avec une puissance particulière dans sa septième décennie, lorsque le maestro commence à écrire des messages et des sonnets à Vittoria Colonna.

Michel-Ange s'est éteint tranquillement et paisiblement à l'âge de 88 ans, rendant son âme à Dieu, son corps à la terre et ses biens à sa famille.

Où l'obtenir et quel style utiliser

Pour représenter un tel tatouage, on utilise 1-2 couleurs et une technique de réalisme. Traditionnellement, l'une des couleurs est le noir. Le motif est également complété par des roses, réalisant ainsi un tatouage de style chicano.

Il se trouve que dans ces techniques, le tatouage d'une main en prière avec une croix, est le plus beau. Ce symbole convient aussi bien aux hommes qu'aux femmes, seules les filles préfèrent appliquer une taille d'image plus petite. L'image est complétée par des perles de rosaire, des croix, une chaîne, des noms d'êtres chers et des phrases philosophiques.

Le temps nécessaire à la réalisation du tatouage en salon dépend de la complexité du travail et sera d'une à deux séances. Avec son sujet simple et sa palette de deux couleurs, la fresque est difficile à réaliser. Nous vous recommandons donc de la faire réaliser par un artiste réputé afin de vous assurer d'obtenir un tatouage agréable à porter et qui valorise votre image.

Murale "Création d'Adam

Une description de la fresque emblématique du grand artiste.

Analyse et interprétation de la création d'Adam

La célèbre fresque est basée sur l'histoire biblique du livre de la Genèse et a été commandée par le pape Jules II, sur le plafond de la chapelle Sixtine au Vatican. Cette œuvre emblématique est un élément clé de l'art religieux et de la Renaissance. Le concept initial de l'édifice ne prévoyait qu'une représentation des douze apôtres, mais lorsque Michel-Ange a commencé les travaux, il a élargi le concept initial et, une fois l'œuvre achevée, il était parvenu à représenter plus de 300 personnages de la mythologie classique, de l'Ancien Testament et du Livre de la Genèse, dont la Création d'Adam est la fresque centrale de cette œuvre.

Créée en 1511, l'œuvre illustre l'histoire de la façon dont Dieu donne la vie à Adam, le premier homme sur terre. Des images puissantes montrent l'étincelle de vie passant d'un doigt à l'autre, tandis que des graphismes inégalés insufflent à la composition une énergie spirituelle et physique.

Le tableau est disposé dans un rectangle d'environ 3 mètres sur 6 mètres. À gauche, la silhouette musclée d'Adam réunit tous les traits de la beauté masculine, et le rendu des couleurs démontre l'harmonie des proportions humaines. Il tend lentement et paresseusement sa main gauche vers Dieu, un homme âgé et barbu entouré d'un groupe d'anges. Son visage est rempli d'apathie et il n'a même pas assez d'énergie pour redresser complètement son bras. La charge de vie du Seigneur est transmise par sa main droite. Les doigts des personnages sont représentés à quelques millimètres de distance, ce qui est parfaitement visible sur le fond neutre. Il est intéressant de noter que c'est la première fois dans l'histoire de l'art que Dieu est placé horizontalement dans un tableau.

Symbolisme

Une œuvre aussi populaire a donné lieu à une foule d'interprétations et d'interprétations. Certains historiens et historiens de l'art affirment que les figures entourant Dieu représentent le cerveau humain avec une précision anatomique. D'autres suggèrent que le tissu rouge entourant le Seigneur représente l'utérus humain, tandis que le foulard vert situé en dessous représente le cordon ombilical fraîchement coupé.

Cependant, toutes les questions concernant la fresque n'ont pas de réponses précises. Une masse de théories est consacrée à l'initialisation de la femme à la main gauche du Tout-Puissant. Il est possible qu'elle représente Eve qui n'a pas encore été créée, qui, bien que contredisant l'original, a toujours le droit d'exister. Le symbolisme énigmatique suggère une foule de permissions, mais il soulève aussi encore plus de questions. Il existe une théorie selon laquelle le contour de Dieu, en forme d'ovale régulier, est lié à l'ellipse incomplète qui forme sa création.

Influence sur l'art

La création d'Adam démontre toute la force du geste dans les arts visuels, qui a influencé de nombreuses œuvres modernes.

Un quart de siècle après avoir achevé les chefs-d'œuvre du plafond, Michel-Ange est appelé par Clément VII pour réaliser la fresque du Jugement dernier sur le mur de l'autel. Avec ses autres œuvres, elle fait du maître non seulement l'un des artistes les plus influents de son temps, mais aussi l'un des peintres les plus célèbres de l'histoire des arts visuels.

Idées de tatouage créatives

Les options intéressantes pour le tatouage en binôme sont les suivantes :

Une fille et un ballon volant. Une fille est représentée sur le côté masculin du corps et le ballon est représenté sur le côté féminin ;
Tatouage de pièces d'échecs. Le roi et la reine sont particulièrement pertinents ;
paysage nocturne. Les deux parties de l'image se fondent en une seule lorsque les amoureux se tiennent la main ;
2 plumes appliquées sur les poignets. Généralement, l'une de ces plumes est blanche et l'autre est noire. Un tel tatouage est choisi par les petites amies ou les sœurs ;
Une tasse de thé et un sachet de thé suggèrent un lien indéfectible. Il peut être choisi par les petites amies, les sœurs, les amoureux. Il n'est pas rare de le voir sur les bras des mères et des filles ;
Les personnages de contes de fées symboliseront l'optimisme et une tendre union. Un tatouage à l'aquarelle représentant une fée et Peter Pan, par exemple. La première sur la main d'une femme et la seconde sur celle d'un homme ;
Un petit tatouage de mains avec des petits doigts croisés symbolise une amitié et un soutien forts ;
Images sur le thème de l'espace. Non seulement ils sont beaux, mais ils sont aussi mystérieux. Par exemple, les amis et les frères qui veulent montrer leur amitié ornent leurs mains de dessins de constellations.

Choisir un tatouage jumelé sur deux mains n'est pas facile. Il est important de tenir compte des préférences personnelles, de la nature de la relation entre la fille et le garçon et du caractère unique de l'image. Les tatouages individuels d'autres personnes ne doivent pas être copiés complètement. Pour que le tatouage reflète fidèlement les préférences des amoureux, il faut créer un croquis unique.

La création d'Adam - 1510 Fresque de la voûte de la chapelle Sixtine par Michel-Ange

La fresque La création d'Adam est sans aucun doute l'une des œuvres les plus célèbres de Michel-Ange. Pour la première fois dans l'histoire de l'art mondial, le Dieu créateur et l'homme qu'il a créé sont sur un pied d'égalité.

Création d'Adam

1510 ; 280x570 cm ; fresqueVoûte de la chapelle Sixtine, Cité du Vatican

Les accents compositionnels et sémantiques de ce tableau sont identiques : les mains tendues de Dieu et d'Adam sont sur le point de se toucher du bout des doigts, ce qui crée une attente tendue et excitante de " l'étincelle divine " de ce contact et donne au spectateur le sentiment d'être impliqué dans le grand sacrement de la création humaine.

Adam est étendu dans toute la splendeur de la nudité de l'homme, mais il n'est pas encore vivant. Il ne peut lever qu'un doigt impuissant. Et le Seigneur Tout-Puissant descend vers lui. Dans son immense manteau en développement se trouve le monde entier. Au centre se trouve un visage - Eve ou pas, c'est un visage humain, qui regarde droit vers Adam, le défiant. Et le doigt de Dieu touche le doigt de l'homme.

Dans Luc et Matthieu, le doigt de Dieu est identifié à l'Esprit Saint, le médiateur entre le Créateur et ses créatures. Le contact des doigts, un geste proposé par l'artiste comme une incarnation symbolique de la vie elle-même, révèle l'essence de la relation entre l'homme et Dieu, leur lien indissoluble.

En outre, en plaçant la figure du premier homme sur une surface inclinée, l'artiste donne au spectateur l'illusion qu'Adam se trouve au bord de la terre, au bord du précipice. C'est peut-être pour cela que ces deux bras tendus l'un vers l'autre, symbolisant le lien entre les deux mondes - le terrestre et le divin - nous impressionnent tant. Et la main du Seigneur est tendue, son regard est sévère et résolu.

Adam est encore faible, il ne sent pas le souffle de la vie, mais, obéissant à une impulsion inconnue, il tend la main comme s'il s'agissait des dernières forces - notez combien d'espoir et d'attente dans ses yeux dirigés vers Dieu ! Et l'artiste saisit ce moment passionnant où, en réponse à sa recherche du divin, pas encore pleinement réalisée mais claire, l'homme reçoit l'âme - la récompense suprême du Créateur.

Dans cette œuvre, Michel-Ange prouve une fois de plus sa capacité à "modeler" le relief du corps humain au moyen de la peinture. Ascanio Condivi, élève et biographe de Michel-Ange, souligne que

son admiration de la beauté de l'homme était l'une des manifestations de son admiration authentique de la beauté en général - qu'il s'agisse d'un beau bibelot, d'une montagne majestueuse ou d'une forêt fabuleuse : telle une abeille butinant le miel des fleurs, il savait trouver la beauté dans la nature

Michel-Ange (1475-1564)

Partager sur les réseaux sociaux